A Vida e Legado de Michael Jackson

O álbum mais vendido da história.

O Lendário Álbum Thriller

Quem nunca ouviu falar de Michael Jackson?

Se você era um jovem ou até mesmo um extraterrestre de passagem na Terra na década de 1980, com certeza ouviu algumas das suas canções.

O lançamento do álbum Thriller mudou a história da música, ultrapassando a marca de mais de 70 milhões de cópias vendidas e desde então o mundo nunca mais foi o mesmo.

Eu era apenas um menino na época, mas não resisti à tentação e também tentei imitar os passos daquele extraterrestre em canções como Beat It, Billie Jean, Thriller

Bem, não vou falar de mim, eu dançava mal pra caramba! Vamos falar do Michael.

Nos anos 80, as músicas de Michael Jackson eram uma presença constante nas rádios de todo o mundo. As execuções eram uma mistura de alta rotação nas rádios pop e R&B, com promoções e programas especiais que ajudavam a manter sua música no topo das paradas.

Ele era considerado, por muitos, o artista perfeito: excelente dançarino, compositor talentoso e capaz de emular instrumentos musicais com sua voz (não tocava nenhum, mas se o fizesse, seria mais que perfeito!).

Sua vida foi marcada por sucessos impressionantes, mas também por seus desafios pessoais e as polêmicas que sempre cercaram sua figura pública.

Sua morte trágica em 2009 deixou o mundo em choque, mas também garantiu que sua memória e legado continuassem a brilhar.

Infância e Início de Carreira

Michael Joseph Jackson nasceu em 29 de agosto de 1958, em Gary, Indiana, em uma família de classe trabalhadora.

Ele foi o oitavo de dez filhos dos Jackson, e sua infância foi marcada pela constante união familiar e pela pressão para ter sucesso na indústria da música.

Seu pai, Joseph Jackson, era um músico frustrado e, ao identificar o talento de seus filhos, decidiu formar um grupo musical que reunisse os meninos da família. Assim, os Jackson 5 surgiram, e o potencial de Michael logo se destacou entre seus irmãos.

Ele começou a se apresentar ao lado de seus irmãos, inicialmente em competições locais e festas. As performances do grupo logo chamaram a atenção de talentos da indústria musical, e a gravadora Motown assinou um contrato com eles em 1968.

O lançamento de seu primeiro single, I Want You Back, rapidamente se tornou um sucesso nas paradas, solidificando a posição dos Jackson 5 como estrelas em ascensão.

A determinação de Joseph em moldar a carreira dos filhos, embora controversa (pra não dizer, violenta), proporcionou a Michael a disciplina necessária para se destacar.

Sua infância, marcada por treinamento intensivo e obrigações musicais, não apenas moldou seu caráter resiliente, mas também preparou o palco para suas performances futuras.

As experiências com os Jackson 5 foram únicas, permitindo que Michael desenvolvesse sua identidade musical e habilidades de palco desde a tenra idade, um aspecto que mais tarde influenciaria enormemente sua carreira solo.

O auge da carreira e Inovações musicais

A carreira de Michael Jackson como artista solo atinge seu apogeu com o lançamento de álbuns icônicos que permaneceriam no cerne da música pop por várias décadas.

Off the Wall, lançado em 1979, introduziu um novo som que misturava disco, funk e soul, apresentando sucessos como Don’t Stop ‘Til You Get Enough e Rock with You.

Este álbum não apenas estabeleceu Jackson como um artista a ser observado, mas também demonstrou sua habilidade de integrar diversos gêneros musicais, algo que se tornaria uma marca registrada de sua carreira.

Em 1982, Michael Jackson lançou Thriller, um marco na história da música pop. Este álbum, que continua a ser o mais vendido de todos os tempos, trouxe à vida uma nova era de videoclipes.

O vídeo de Thriller não é apenas um clipe musical, mas uma obra cinematográfica que revolucionou a forma como a música era apresentada. Esta inovação fez com que os videoclipes se tornassem essenciais para a promoção de singles e estabeleceram padrões que ainda são seguidos hoje.

O impacto cultural do álbum foi profundo, influenciando não apenas a música, mas também a moda e as tendências da época.

O sucessor de Thriller, Bad, lançado em 1987, solidificou ainda mais a reputação de Jackson como o “Rei do Pop”. Os singles, como Bad e Smooth Criminal, apresentaram coreografias memoráveis e promoções extravagantes que se tornaram sinônimos do artista.

Durante essa fase, Michael quebrava recordes de vendas e recebeu inúmeros prêmios, incluindo Grammy Awards, destacando sua importância na indústria musical.

Controvérsias e Legado Duradouro

Michael Jackson, teve uma vida repleta de feitos notáveis, porém, não sem suas controvérsias.

Desde o início da sua carreira até seus últimos anos, o artista enfrentou múltiplos desafios que moldaram sua imagem pública e impactaram sua saúde mental.

Acidente em comercial de uma marca de refrigerante, múltiplas cirurgias plásticas, questões legais e alegações de abuso sexual foram alguns dos aspectos mais conturbados de sua vida, que frequentemente ocuparam as manchetes da imprensa.

Essas controvérsias muitas vezes ofuscaram seus talentos artísticos e contribuições à indústria musical.

A luta de Jackson com a fama foi um elemento constante em sua vida.

Tornou-se uma figura pública icônica ainda muito jovem, o que, sem dúvida, teve efeitos adversos sobre sua saúde mental e bem-estar.

Relatos de solidão, dependência de medicamentos e um desejo constante de proteção pessoal são indicativos do preço que a celebridade pode cobrar.

Esses aspectos frequentemente contribuíram para uma narrativa complexa sobre sua vida e sua luta interna.

Apesar das controvérsias que permeiam sua história, o legado de Michael Jackson continua a ressoar na música contemporânea.

Suas canções, repletas de ritmos cativantes e letras impactantes, continuam a ser celebradas, enquanto sua dança e a produção visual de seus videoclipes são estudadas e admiradas por aspirantes a artistas.

Antes da Conclusão…

A gananciosa indústria musical é marcada por corrupções, chantagens, mentiras e tragédias.

Muitos cantores foram arruinados por empresários e pessoas sem escrúpulos.

O que sabemos sobre o Rei do Pop é que a sua trajetória foi marcada por responsabilidades extremas desde a infância. E isso moldou a sua vida.

É amplamente discutido que Michael Jackson possuía características que poderiam ser associadas à síndrome de Peter Pan, embora o diagnóstico oficial nunca tenha sido feito.

A “síndrome de Peter Pan” é um termo popularizado pelo psicólogo Dan Kiley, que descreve adultos que se recusam a crescer emocionalmente e têm dificuldades em assumir responsabilidades ou aceitar as realidades da vida adulta.

Isso pode envolver a busca por uma infância idealizada e a evitação das pressões e responsabilidades associadas à vida adulta, sim, as responsabilidades  e o modo como foi “disciplinado” por seu pai, o privaram de uma infância normal.

Durante grande parte de sua vida, parecia ter uma relação complexa com a infância e com o processo de amadurecimento.

Síndrome de Peter Pan

Algumas características que alimentaram a associação do Rei do Pop com a síndrome de Peter Pan incluem:

. Apegos à infância: Jackson frequentemente falava sobre seu desejo de ter uma infância “normal”, algo que lhe foi negado devido ao intenso treinamento e carreira precoce com os Jackson 5.

. Ele procurava, de alguma forma, reviver a infância perdida, especialmente ao criar o Neverland Ranch, um lugar onde ele recriou um ambiente infantil com brinquedos, um parque de diversões e até um zoológico.

. Comportamento e aparência juvenil: Mesmo na idade adulta, Michael Jackson mantinha uma aparência jovem, o que era intensificado por sua escolha de estilo de vida, como seu jeito de vestir e seu comportamento público.

Muitos o viam como alguém que queria preservar a infância de forma eterna.

. Relacionamento com crianças: Jackson tinha uma relação bastante próxima com crianças, frequentemente recebendo visitas de crianças em seu rancho e passando tempo com elas, o que também gerou controvérsia em sua vida, especialmente devido às acusações de abuso infantil que surgiram em sua carreira.

Para ele, a companhia de crianças parecia oferecer-lhe uma forma de se reconectar com o que ele sentia que havia perdido ao longo de sua vida.

.Fuga da pressão da fama: Sua luta com as expectativas e a pressão da fama desde muito jovem também contribuiu para a sua busca por uma sensação de refúgio na infância.

Michael Jackson expressava frequentemente o desejo de viver uma vida simples e livre de responsabilidades adultas.

Um outro Prisma

É possível que, devido a essas características, ele tenha optado por um acordo quando enfrentou acusações de assédio sexual.

Embora não se possa afirmar categoricamente que ele sofria da síndrome de Peter Pan em um sentido clínico, seus comportamentos e atitudes parecem ter uma conexão notável com a noção de “não querer crescer”.

Essa tendência é evidente tanto em sua vida pessoal quanto profissional, particularmente em seu esforço para construir um universo onde a infância é idealizada e mantida intocável.

Embora estejamos apenas fazendo suposições neste contexto, é importante reconhecer que, no universo do entretenimento, onde as reputações são frequentemente destruídas, a competitividade e as rivalidades podem ser decisivas para o sucesso ou fracasso de alguém.

Falaremos sobre isso posteriormente.

Uma análise da vida e obra desse grande artista revela que sua infância, dedicação e sucesso consolidam sua reputação como o Rei do Pop.

Para mais informações: Michael Jackson – biografia, carreira e músicas – Brasil Escola

Veja também: The Carpenters: A perfeição e o drama ‣ Jeito de ver

Ouça a nossa Playlist.

Os sonhos de Lay ( Novas histórias a contar)

Para lembrar a infancia.

Imagem de cynthia_groth por Pixabay

Meu Deus,
Lay está de “catapóia”
Ela se coça e ri…
E mostra as marquinhas na pele
E, se coça novamente….

Enquanto,
o tempo ri
e as horas passam…
Enquanto,
ainda hoje há abraços
ela exibe a sua mais nova historinha… simplesmente!

E quanta história há de contar a Layssa?
Quantos sonhos viverá a Lay?

E o tempo chegará
E passará,
como tudo mais que existe
E Lay há de sonhar
e acordar dos seus sonhos
E terá novas marcas…
Novas histórias pra contar…

Mas, em meus sonhos, ela ri

E sorrindo aponta as marquinhas no braço

Numa língua ainda a aprender

E ainda sorrindo,

continua a dizer:

“É tudo catapóia”…

Veja também Poema para Aline (Carinha amarrada) ‣ Jeito de ver

A Evolução da Indústria Fonográfica

A evolução da indústria fonográfica e o consumo de música.

Imagem de Bruno por Pixabay

O Walkman completou 40 anos neste dia 1º de julho. Primeiro reprodutor portátil da história, o aparelho da Sony marcou diferentes gerações, totalizando mais de 385 milhões de unidades vendidas. Além disso, ajudou a criar a cultura de ouvir músicas em qualquer lugar, hoje algo super comum com os smartphones.

O dispositivo nasceu a partir da necessidade de executivos japoneses de ouvir ópera durante os longos voos internacionais. Com o passar do tempo, seu impacto na cultura popular foi tão importante que o nome Walkman resistiu em outros produtos, mesmo após o fim do cassete. Confira a seguir dez fatos sobre o aparelho para comemorar os 40 anos do som portátil”.
– Extraído do site Techtudo.

by Wikimedia

 

Interessante, não é verdade?
Os meios de consumo de música evoluem a cada dia, então, que tal falarmos um pouco sobre a evolução da indústria fonográfica?
Vamos lá…

A Revolução Fonográfica

Ao longo dos anos, a indústria fonográfica passou por transformações drásticas. Desde os tempos dos discos de vinil até os atuais serviços de streaming, a maneira como consumimos música mudou radicalmente. A evolução não envolve apenas tecnologia, mas também a forma como a música é produzida, distribuída e consumida pelos ouvintes.

Do Vinil ao Digital

No início, os discos de vinil eram a principal forma de reprodução musical. Esses grandes e frágeis discos prestaram enormes serviços à cultura musical, mas trouxeram limitações, como a durabilidade e a qualidade do som. A chegada das fitas cassete nos anos 70 e dos CDs nos anos 80 trouxe praticidade e melhor qualidade de áudio.

Porém, a verdadeira revolução aconteceu com a chegada da internet e do formato digital. MP3s e plataformas de compartilhamento de música mudaram completamente o jogo. Agora, não só a portabilidade aumentava, mas também o acesso e a diversificação musical às amplas massas.

O Impacto na Nossa Vida

Sem a evolução da indústria fonográfica, a forma como interagimos com a música seria completamente diferente. Podemos imaginar um mundo onde ainda dependêssemos exclusivamente de aparelhos físicos para ouvir música, limitando nossa capacidade de acesso e descoberta de novos artistas e gêneros.

Além disso, a globalização musical que presenciamos hoje seria muito mais lenta.

Artistas independentes, que hoje fazem sucesso graças à facilidade de distribuição digital, teriam muito mais dificuldade para serem ouvidos. Sem essa evolução, a variedade musical que nós experienciamos diariamente seria muito menos diversificada.

O Futuro da Música

Olhando para o futuro, podemos esperar ainda mais inovações na indústria fonográfica. Tecnologias emergentes como inteligência artificial e realidade virtual estão começando a fazer seu caminho na produção e na experiência musical, prometendo revolucionar ainda mais a forma como criamos e consumimos música.

Leia também Propaganda musical e Empobrecimento cultural ‣ Jeito de ver

Walkman faz 40 anos: veja curiosidades sobre aparelho ‘febre’ nos anos 90 (techtudo.com.br)

Cartas ao passado… Uma primavera

Se eu soubesse que aquela seria a última primavera

não reclamaria os ventos no outono

ou da tristeza no inverno

Se apenas soubesse que não mais haveria estações

contemplaria as flores tímidas do dia

e o vento gentil da noite

Contemplaria a beleza dos pássaros

e o ouviria as suas canções

Se soubesse

não te falaria das próximas estações

ou dos sonhos, de nada…

contemplaria o presente!

E amaria cada segundo…

Te abriria os olhos para o azul no céu

e os ouvidos, para a música no soprar dos ventos

Se eu soubesse no inverno

te daria o calor, a paz, a vida… a minha vida!

E o inverno não seria tão longo, tão frio

E a primavera…

Te oferceria flores e mais uma estação

apenas uma estação.

Não faria tantos planos

se eu soubesse, se apenas soubesse desta primavera

teria vivido os verões e outonos, outras estações

E não estaria escrevendo cartas ao vento, aos ventos

ao tempo que se foi.

Leia também  Voo efêmero – um breve encontro ‣ Jeito de ver

The Carpenters: A perfeição e o drama

The Carpenter uma história de sucesso e drama.

(Photo by Chris Walter/WireImage)

Quando eu era jovem, costumava ouvir uma música no rádio que me transportava no tempo. A nostalgia e a alegria que sentia eram incríveis!

Mesmo sem entender a letra, a voz suave da cantora aliviava minhas frustrações. Depois de muito tempo, redescobri aquela canção mágica: “Yesterday Once More”, do The Carpenters.

A letra evoca memórias e sentimentos intensos.

O narrador relembra ouvir suas canções favoritas no rádio, revivendo momentos de sua juventude. A música captura a felicidade e a saudade que essas lembranças despertam, ressaltando como as canções antigas nos levam de volta a tempos mais simples e felizes.

O refrão enfatiza a habilidade da música de nos fazer sentir como se estivéssemos revivendo instantes preciosos, expressando o desejo de revisitar esses tempos por meio das melodias e letras que marcaram uma vida.

O reencontro com a voz impecável de Karen Carpenter e as harmonias esplêndidas de Richard me fizeram recordar a história do The Carpenters. Que tal compartilharmos um pouco dessa história?

O Início

O duo The Carpenters, formado pelos irmãos Karen e Richard Carpenter, surgiu na infância de ambos, em New Haven, Connecticut. Richard se destacou como pianista prodígio, enquanto Karen, inicialmente inclinada para esportes, descobriu seu talento para a bateria e o canto.

Em 1963, a mudança para Downey, Califórnia, foi decisiva. Imersos em um ambiente cultural vibrante, dedicaram-se à música. Richard aprimorou suas habilidades na California State University, Long Beach, e conheceram colaboradores importantes.

Em 1969, formaram “The Carpenters” e assinaram com a A&M Records. Lançaram seu primeiro álbum, “Offering” (renomeado “Ticket to Ride”), que abriu caminho para o sucesso subsequente.

Sucesso e Fama Internacional

O sucesso veio com o álbum “Close to You” (1970) e o single homônimo, que alcançou o primeiro lugar nas paradas dos EUA. A combinação da voz suave de Karen e os arranjos sofisticados de Richard criou um som único, cativando uma ampla audiência.

Outro grande sucesso foi “We’ve Only Just Begun”, que se tornou um hino de casamentos e celebrações.

Os Carpenters ganharam popularidade mundial com suas baladas românticas e melodias cativantes.

Embarcaram em turnês internacionais, marcadas pela perfeição vocal e instrumental, ganhando admiração do público e da crítica. Receberam prêmios, incluindo três Grammy Awards, e suas músicas continuam sendo celebradas.

Problemas de Saúde

Karen Carpenter enfrentou críticas severas e preconceitos que afetaram profundamente sua vida pessoal e carreira, contribuindo para sua luta contra a anorexia nervosa. A pressão para manter uma imagem pública idealizada agravou seu estado de saúde.

Essa batalha afetou a dinâmica do grupo, com atrasos na produção musical e interrupções nas turnês.

A luta de Karen destaca a necessidade de um ambiente mais compassivo e de apoio na indústria musical,  enfatiza também a importância de abordar questões de saúde mental e bem-estar com seriedade, oferecendo lições valiosas para jovens artistas.

Maiores Sucessos

O grupo deixou uma marca indelével na música pop com sucessos como “Close to You”, “We’ve Only Just Begun”, “Top of the World” e “Rainy Days and Mondays”. Essas músicas definiram a carreira dos Carpenters e ajudaram a moldar o cenário musical dos anos 70.

A história dos Carpenters é fascinante por várias razões. Mesmo em uma era dominada pela cultura hippie e pelo novo rock, destacaram-se com um estilo único, oferecendo um contraste notável.

A marca dos Carpenters na indústria musical é profunda e duradoura, inspirando lições sobre perseverança, resistência e autocuidado.

Ouvir “Yesterday Once More” ainda me proporciona belas emoções.

Leia mais em:

A Busca pelo Corpo Perfeito ‣ Jeito de ver

Fonte: Carpenters – Wikipédia, a enciclopédia livre (wikipedia.org)

Que tal conhecer o Grupo The Carpenters?  Ouça a nossa playlist abaixo, no Spotify:

Clube dos 27 – Não há glamour na tragédia

Clube dos 27 - A glamourização da tragédia.

O que é o Clube dos 27? (Imagem: Pinterest)

Clube dos 27 – Não há glamour na tragédia

Amy Winehouse, Kurt Cobain, Robert Johnson, Brian Jones (membro fundador dos Rolling Stones), Janis Joplin, Jimi Hendrix, Jim Morrison (do The Doors) – o que eles têm em comum?

Artistas de sucesso do mundo da música que tiveram suas vidas interrompidas aos 27 anos. Daí a origem do termo “Clube dos 27”.

A criação de termos como “Clube dos 27” visa dar uma áurea de glamour, magia e mesmo mistério ao fato trágico de que pessoas públicas foram trituradas pela máquina da indústria da música.

Não há glamour algum na morte da jovem Amy Winehouse, que teve uma vida conturbada e seu talento natural explorado por todos ao seu redor.

Seu estilo único de cantar, que trazia um misto da dor do Soul dos anos 60 e a energia pulsante do Jazz dos anos 40, numa roupagem moderna e eletrizante, chegou ao fim no dia 23 de julho de 2011.

Ela ingeriu altas doses de álcool.

Consegue imaginar quão perturbada estava a mente dessa jovem cantora?

Não há beleza em se perder tão jovem!

Brian Jones, membro fundador dos Rolling Stones, foi afastado da banda que criou, pois já não conseguia mais cumprir compromissos, nem ter o mesmo desempenho como músico, devido ao seu vício em drogas.

No dia 3 de julho de 1969, foi encontrado morto em sua piscina. A suspeita é que o uso de drogas tenha facilitado sua morte.

Consegue imaginar o drama ou desespero causado pelo vício em drogas?

Artistas virtuosos como Jimi Hendrix (18/09/1970), Jim Morrison (3/07/1971) e Janis Joplin (4/10/1970) tiveram morte similar.

O desespero de escapar, por instantes, dos seus pesadelos, ou de esquecer as pressões do sucesso, resultou no abreviamento de suas vidas e, consequentemente, carreiras.

Robert Johnson, chamado de Rei dos Delta Blues, morreu de sífilis em 16 de agosto de 1938.

Alguns defendem a ideia de que morrer no auge é uma maneira de eternizar-se, ser lembrado como jovem – jovem para sempre! Essa ideia romantiza todo o sofrimento e desespero escondidos em cada segundo das vidas dos biografados.

É um pensamento explorado pelas indústrias que continuam lucrando com os espólios de artistas que, sob a resposta primária de não serem esquecidos, geram bilhões em lucros.

O fato de alguns perderem a liberdade de sair às ruas por causa de fotógrafos clicando cada centímetro de seus passos, que gostariam de voltar para casa após os shows e receber o abraço de alguém que sentisse amor de verdade por eles, é tão romântico quanto o vazio que deixaram em suas famílias.

Romantiza o fato de que perderam também a liberdade criativa e se tornaram reféns de uma indústria que suga cada gota de suor e sangue criado cuidadosamente para seus personagens.

Romantiza o fato de que muitos se perderam em seus personagens.

E enquanto isso, meros sonhadores romantizam a eternidade não usufruída pelos artistas, que não tiveram o prazer de ver seus filhos correndo no jardim, envelhecer ao lado da pessoa amada e se tornarem apenas meros adultos quadrados – mas, amados de verdade.

Não há beleza em se perder tão jovem.

Leia também: Propaganda musical e Empobrecimento cultural ‣ Jeito de ver

Clube dos 27 – Wikipédia, a enciclopédia livre (wikipedia.org)

O cantor sincero que ninguém ouviu!

Uma ficção sobre a indústria da música.

Imagem de Pexels por Pixabay

Sabe aquele tipo de cantor que tem tudo pra dar errado? Carlos Alvinegro era um desse tipo.

Apesar da bela voz, da barba bem feita e do incrível talento, ele tinha um probema: Era sincero demais!

Não, não. Sinceridade  não é aquilo que alguns confundem com grosseria. É a qualidade de dizer a verdade de forma honesta e sem falsidade, expressando os próprios sentimentos e pensamentos genuínos.

Ele sabia que ao longo do tempo suas canções vinham caindo de qualidade, mas o público continuava fiel – não importava as letras. Ele tinha o apoio total da gravadora e sobreviveu às mudanças da era digital, passou a investir também no Sertanejo.

Bem, são tantos caminhos do Sertanejo que não sei exatamente em qual ele entrou.

Os empresários adoraram e a partir daí houve uma transformação brutal no estilo e nas letras do Carlos. Passou a falar de bois, tratores, soja, do romantismo que era ser empresário e comprar um monte de amores…

Mas, Carlos odiava tudo aquilo.

Não se identificava com a música engessada, as letras hipócritas e não raro iniciava os shows com palavras de carinho ao público, que podiam ser facilmente mal interpretadas:

-“Essa canção eu não fiz e não estendo o que a letra quer dizer, mas se vocês gostam… deve significar alguma coisa! Vocês são demais!!!”

A voz suave e o jeito amável de dizer tais palavras cativavam o público.

Assim como era comum no mundo musical, Carlos não compunha as suas próprias músicas. Ele apenas interpretava aquilo que os empresários mandavam cantar. Letras rasas para um grande público raso!

E foi assim por muitos anos, até que ele cansou. Brigou com todo mundo! Ele queria fazer as suas próprias músicas, voltar ao seu estilo!

Mas, os empresários não gostaram da ideia. Explicaram: “Se você quiser sair… a gente cria outro! O povo nem vai perceber!”

Carlos, chateado, sentindo-se usado pelo sistema, decidiu: “Vou estragar tudo!”

E, num estádio lotado, de pessoas da cidade, vestindo roupas de couro sintético, com celulares apontando para o palco, mecanicamente como das outras vezes, em meio às luzes coloridas e escuras do palco ele cantou:

Ouça a letra:

E o povo chorava, aplaudia, pedia bis.

Não escutaram nada. O público já estava estragado!

E foi o último show do desiludido Carlos Alvinegro.

Veja também A música atual está tão pior assim? ‣ Jeito de ver

Melodia com o auxílio do Udio.IA

Propaganda musical e Empobrecimento cultural

A uniformidade na promoção dos estilos musicais populares tem contribuído para o empobrecimento cultural.

Imagem de Thomas Wolter por Pixabay

Lá estão eles: nas plataformas digitais, rádios e mesmo na televisão. Cantores diferentes (!?), cantando com as mesmas vozes, nos mesmos estilos, músicas que parecem serem as mesmas!

Você talvez não se pergunte o por quê da falta de variedade, talvez ache normal. Mas, trata-se de uma fórmula comercial e o valor investido na divulgação desta fórmula é absurdo.

-Mas, se está dando certo, por que não continuar investindo no mesmo?

Investir em algo que dá resultados, gerando lucros – esse é o objetivo comercial. Mas, como isso afeta a arte?

Como a Falta de Variação na Divulgação dos Estilos Musicais de Sucesso Tem Empobrecido a Cultura?

A Qualidade Artística Ofuscada pela Propaganda

Em meio a uma vasta gama de talentos e inovação no cenário musical, a qualidade artística frequentemente se encontra ofuscada por estratégias de marketing agressivas.

Existe uma riqueza inegável de artistas que desafiam os limites tradicionais da música, oferecendo novas perspectivas e experiências sonoras únicas. No entanto, a dominação de certos estilos musicais, amplamente promovidos por campanhas publicitárias intensivas, tem limitado a exposição a essa diversidade.

A indústria musical moderna favorece, de maneira desproporcional, estilos musicais que são considerados mais comerciais e facilmente digeríveis pelo grande público.

Este fenômeno resulta em uma proliferação de músicas que frequentemente seguem fórmulas previsíveis e repetitivas, deixando pouco espaço para a experimentação e a originalidade.

Em muitos casos, artistas que se destacam por sua autenticidade e inovação acabam por não receber a atenção que merecem devido a um sistema que prioriza o retorno financeiro imediato.

A propaganda massiva, apoiada por investimentos substanciais, cria um ciclo vicioso onde os estilos musicais promovidos se tornam os mais consumidos, e, consequentemente, recebem ainda mais visibilidade e recursos.

Este mecanismo perpetua a predominância de certos gêneros, enquanto outros, potencialmente mais ricos artisticamente, permanecem à margem.

Além disso, a repetição contínua de músicas semelhantes nas rádios, playlists e mídias sociais reforça a percepção de que esses estilos são os únicos dignos de atenção.

Este cenário não apenas empobrece a experiência cultural dos ouvintes, mas também desestimula a criação de obras mais ousadas e inovadoras por parte dos artistas, que se veem pressionados a conformar-se às demandas do mercado para alcançar sucesso comercial.

O Papel do Agronegócio na Indústria Musical

Nos últimos anos, o agronegócio tem desempenhado um papel significativo na promoção de determinados estilos musicais.Grandes empresas do setor têm investido pesadamente em artistas que, muitas vezes, são moldados para atender a um público amplo e passivo.

Esses investimentos resultam em músicas que frequentemente carecem de profundidade e autenticidade, sendo produzidas com o único propósito de entreter.

Esse fenômeno não se limita ao agronegócio; outros setores empresariais também adotam essa abordagem. No entanto, o impacto do agronegócio é particularmente notável devido ao seu poder econômico e alcance.

A relação entre essas empresas e a indústria musical cria uma dinâmica onde apenas certos estilos musicais recebem destaque, promovendo uma cultura musical homogênea e empobrecida.

As implicações culturais desse fenômeno são profundas.

A diversidade musical é essencial para o enriquecimento cultural e para a expressão de diferentes experiências e emoções humanas.

Quando o investimento é direcionado apenas para artistas e estilos que garantem retorno financeiro rápido e elevado, outros gêneros musicais, que poderiam contribuir significativamente para a cultura, acabam sendo negligenciados.

A promoção contínua de músicas focadas unicamente no entretenimento contribui para a criação de uma audiência passiva, que consome música sem reflexão ou busca por opções mais autênticas e variadas.

Imagem de sophiacorso por Pixabay

Além disso, a constante promoção de músicas voltadas apenas para o entretenimento contribui para a formação de uma audiência passiva, que consome música sem questionar ou buscar alternativas mais autênticas e diversificadas.

Isso reforça a ideia de que a música é apenas um produto de consumo, em vez de uma forma de arte capaz de provocar reflexão e mudança social.

Portanto, é crucial reconhecer o papel do agronegócio e de outros setores empresariais na configuração da indústria musical atual.

Plataformas Musicais e YouTube: Ferramentas ou Obstáculos?

As plataformas musicais digitais e o YouTube têm o potencial de ser veículos poderosos para a democratização e a diversidade musical.

No entanto, esses mesmos canais podem atuar como obstáculos, limitando a exposição dos usuários a uma gama diversificada de estilos musicais. A dualidade dessas plataformas está intrinsecamente ligada ao funcionamento dos algoritmos e à presença de conteúdo patrocinado.

Por um lado, serviços como Spotify, Apple Music e YouTube oferecem um acesso sem precedentes a uma vasta biblioteca de músicas de todo o mundo. Esses recursos poderiam, teoricamente, permitir que os ouvintes explorassem novos gêneros e artistas que de outra forma permaneceriam desconhecidos.

Eles também possibilitam que artistas independentes alcancem um público global, democratizando a produção e a divulgação musical.

Por outro lado, os algoritmos dessas plataformas são projetados para maximizar o tempo de engajamento do usuário, o que muitas vezes resulta na promoção de músicas que já são populares ou que têm maior probabilidade de gerar receita através de patrocínios.

Isso cria um ciclo vicioso onde os mesmos estilos musicais e artistas são continuamente promovidos, enquanto estilos inovadores e menos comerciais são marginalizados.

A existência de investimentos patrocinados também alimenta essa tendência, já que as músicas com maior apoio financeiro em marketing tendem a ser privilegiadas pelos algoritmos de recomendação. Esse fenômeno pode afetar profundamente o gosto musical das pessoas, direcionando suas escolhas para o que é mais promovido e disponível.

Em vez de explorar a diversidade musical, os ouvintes podem acabar consumindo um repertório limitado e homogêneo.

A falta de variação na divulgação dos estilos musicais de sucesso, portanto, empobrece a cultura musical ao restringir a exposição a novas e variadas formas de expressão artística.

Possíveis Soluções para Enriquecer a Cultura Musical

A homogeneização da música popular representa uma ameaça à riqueza cultural, mas existem diversas soluções viáveis para combater esse fenômeno e promover a diversidade musical.

Uma das abordagens mais efetivas envolve o apoio a políticas públicas que incentivem a pluralidade cultural.

Governos e instituições podem criar e financiar programas que valorizem diferentes gêneros musicais e deem visibilidade a artistas de diversas origens e estilos. Este tipo de iniciativa contribui significativamente para a criação de um ecossistema musical mais diversificado.

Outra solução promissora é o financiamento coletivo para artistas independentes.

Plataformas de crowdfunding possibilitam que músicos, que muitas vezes não têm acesso aos grandes meios de produção e divulgação, possam realizar seus projetos com o apoio direto do público.

Esse modelo não só democratiza o acesso à produção musical, mas também fortalece a relação entre artistas e seus ouvintes, incentivando a criação de obras mais autênticas e inovadoras.

A criação de plataformas alternativas que priorizem a qualidade e a inovação também desempenha um papel crucial na diversificação da cena musical.

Serviços de streaming e redes sociais especializadas podem oferecer espaço para artistas que fogem do mainstream, proporcionando ao público uma variedade maior de escolhas.

Essas plataformas podem utilizar algoritmos que recomendem músicas com base na originalidade e na profundidade das composições, ao invés de apenas promover o que já é popular.

Mas, como o consumidor pode desempenhar um papel fundamental nesse processo?

Primeiro a Educação.

A EDUCAÇÃO

Não é viável esperar que a sociedade em geral faça bom uso das plataformas musicais, uma vez que desde sempre são acostumados e disciplinados a viver numa cultura consumista, a música não é ensinada como arte, e sim como um produto.

Uma educação musical ajudaria na compreensão da música como um fator artístico e isso possibilitaria um melhor relacionamento com os estilos musicais.

Como resultado, os ouvintes buscariam ativamente novas músicas e apoiariam artistas que se destacam pela originalidade e profundidade em suas composições.

Essa educação despertaria a curiosidade e a disposição para explorar diferentes estilos musicais que são essenciais para a manutenção de uma cultura musical rica e diversificada.

Ao serem educados a adotar uma postura proativa, o público ajudaria a criar um mercado mais receptivo a diversas formas de expressão artística.

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DJ’s – Artistas ou não? – Um bom debate

DJ's - Artistas ou não?

Imagem de StockSnap por Pixabay

Você chega naquela festa e lá está ele, balançando os braços no ar como se regesse uma melodia que foi escolhida para animar o ambiente. E, por favor, evitem a piadinha dos bonecos de posto…

Manter a energia lá em cima, não desanimar… não deixar a festa cair.

As pessoas dançam, curtem, e depois de mais uma balada, ele recolhe seu equipamento. Sem aplausos, muitos não o veem como um artista.

Como surgiram os DJs? São artistas ou não?

A Origem dos DJs

A figura do DJ começou a ganhar destaque nos anos 1950, quando as festas se tornaram populares e a demanda por entretenimento musical aumentou.

Eles substituíram bandas ao vivo e trouxeram uma seleção diversificada de músicas, moldando a cultura das festas.

DJs – Artistas ou não?

Enquanto artistas músicos primam em apresentar seus próprios talentos em interpretações e composições, o objetivo dos DJs é animar a festa e manter a energia do público.

Sua performance é baseada na curadoria e mixagem, criando uma atmosfera única.

A discussão sobre se o DJ deve ser considerado um artista é relevante.

Apesar de não criarem músicas originais, sua habilidade em mixar e manipular faixas é uma forma de arte, reconhecida especialmente com a ascensão da música eletrônica.

O Trabalho do DJ

O trabalho de um DJ vai além de tocar músicas; envolve entender o público e criar uma narrativa musical que mantenha a energia da festa. Desde os anos 1970 e 1980, eles começaram a ganhar mais reconhecimento, e hoje muitos DJs são celebrados mundialmente.

Alguns dos DJs mais influentes incluem Grandmaster Flash, David Guetta, Tiësto e Carl Cox, que ajudaram a moldar a cultura DJ.

O trabalho do DJ, escolhendo as canções certas para criar uma experiência animada, é uma forma de arte. Portanto, após aquela festa, quando você sentir a energia pulsando, manda um “salve” pro DJ. Sua alegria é o resultado da arte dele!

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Poema ao início do Inverno

Poema ao início do Inverno.

Imagem de dmarr515 por Pixabay

Gilson Cruz

Os passarinhos se escondem

abraçados em seus ninhos

E o sol frio, da última manhã do Outono

ainda ilumina os caminhos

E sigo só,

sigo o Sol

e a luz no orvalho das folhas

como uma melodia em Dó

Me faz dó,

Me traz a dor do vazio

do que era a esperança,

o aconchego

mas, que se esconde, no frio…

E a saudade aumenta

enquanto a folha cai

e levada pelo vento

sem rumo, não vem, não vai.

Enquanto os passaros ensaiam

ao leste breve estadia

Meus pensamentos divagam

em busca de alegria.

Da presença da amada

no triste frio, do inverno

Do riso, ardente, sereno

e abraços meigos e ternos…

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