Os Riscos da Privatização da Educação

O Mercado e a Educação - Quais os riscos?

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O Mercado e a educação – Uma visão crítica

A privatização da educação é um conceito que ganhou considerável atenção nas últimas décadas, particularmente entre governos de orientação liberal.

A proposta central desse modelo consiste em transferir a gestão e operação de instituições educacionais do setor público para o setor privado, com a expectativa de que essa mudança possa resolver problemas persistentes no sistema educacional. Os defensores da privatização argumentam que uma abordagem baseada em princípios de mercado pode levar a uma série de melhorias significativas, como aumento na eficiência, redução de custos e aprimoramento da qualidade do ensino por meio da concorrência.

Um dos principais argumentos a favor da privatização é a crença de que o setor privado pode operar com maior eficiência do que a administração pública.

Empresas privadas, segundo essa visão, teriam menores burocracias e seriam mais ágeis na implementação de inovações pedagógicas e tecnológicas, resultando em um ambiente escolar mais dinâmico e responsivo às necessidades dos alunos.

Além disso, a competição entre instituições privadas pode incentivar um padrão elevado de ensino, onde as escolas se esforçam para fornecer uma educação de qualidade superior para atrair e reter alunos.

Outro aspecto frequentemente destacado pelos proponentes da privatização é a redução de custos.

Eles argumentam que a implementação de modelos de financiamento e gestão no setor privado pode resultar em economias significativas para os governos, que, por sua vez, poderiam redirecionar esses recursos para outras áreas de necessidade pública.

Contudo, essa perspectiva não leva em conta as complexidades que envolvem a educação como bem social e os riscos que a privatização pode representar, como a desigualdade de acesso e a mercantilização do ensino.

A discussão sobre a privatização da educação deve ser contextualizada pelo panorama atual, onde muitas nações enfrentam desafios, como a escassez de recursos e a busca por soluções sustentáveis para suas demandas educacionais.

O Impacto nos Direitos dos Professores

A privatização da educação, ao propor mudanças significativas na estrutura de ensino, tem implicações diretas na condição dos professores como funcionários públicos.

Essa mudança de status pode resultar em várias consequências adversas para os profissionais da educação, que vêm lutando por direitos e garantias ao longo dos anos.

A possibilidade de perda da estabilidade, uma das características mais valorizadas pelos docentes, é uma das preocupações primordiais que vem à tona quando se discute a privatização.

Com a transição para sistemas de ensino privatizados, muitos professores podem enfrentar a transformação de seus vínculos de emprego, passando de cargos públicos para contratos privados.

Essa alteração não apenas diminui a segurança no trabalho, mas também pode levar a uma precarização das condições laborais. Contratos temporários e a instabilidade profissional podem afetar negativamente a motivação dos educadores, comprometendo a qualidade do ensino oferecido aos alunos.

Ademais, a privatização pode resultar no desmantelamento de conquistas trabalhistas conquistadas ao longo dos anos, como direitos de férias, licenças, e planos de aposentadoria justos.

Com a mudança no modelo de financiamento e gestão, as instituições privadas podem não ter a mesma obrigação de respeitar os direitos trabalhistas que as escolas públicas.

Este cenário pode agravar ainda mais a desvalorização da carreira docente, levando a uma fuga de talentos para outras áreas mais estáveis e bem remuneradas.

Por fim, a desregulamentação e a diminuição de direitos dos professores podem criar um ambiente onde a educação se torna secundária em relação a metas de lucro.

Isso levanta preocupações sobre não apenas o bem-estar dos educadores, mas também sobre a qualidade do ensino, uma vez que educadores desmotivados e inseguros são menos propensos a proporcionar uma aprendizagem eficaz e enriquecedora para os alunos.

Os Riscos da Privatização: Lições Aprendidas ao Redor do Mundo

A privatização da educação tem sido um tema controverso e debatido em diversas partes do mundo.

Em muitos países, políticas educacionais pautadas pela privatização foram implementadas com a promessa de melhorar a qualidade do ensino e aumentar a eficiência dos serviços educacionais. Contudo, ao longo dos anos, muitos desses projetos revelaram riscos significativos que não podem ser ignorados.

Um exemplo claro é o caso do Chile, que, na década de 1980, adotou um modelo educacional baseado na privatização. Inicialmente, esse sistema levou a um aumento no número de escolas, mas também resultou em um aprofundamento das desigualdades sociais.

As escolas privadas, muitas vezes, têm condições mais favoráveis de ensino, o que intensificou a disparidade entre alunos de diferentes contextos socioeconômicos.

As evidências mostram que, apesar dos investimentos em educação, a qualidade do ensino não só não se expandiu, como também afetou negativamente aqueles em situação de vulnerabilidade.

Outro exemplo é a experiência da Inglaterra, onde a introdução de academias (escolas públicas geridas por entidades privadas) foi projetada para incentivar a competição e, assim, elevar o padrão educacional.

Entretanto, estudos revelaram que essa competição nem sempre se traduz em resultados positivos e, em várias instâncias, as academias se concentraram em alunos com desempenho superior, deixando para trás aqueles que mais precisam de suporte.

Esse fenômeno não apenas compromete o acesso à educação de qualidade, mas também perpetua desigualdades sociais.

Além desses exemplos, pesquisas realizadas em países como os Estados Unidos e na Índia demonstraram que a privatização pode sacrificar a igualdade no acesso à educação, levando a uma fragmentação do sistema educacional.

É crucial reconhecer essas lições aprendidas para evitar a repetição de erros já cometidos em contextos similares. A análise crítica dessas experiências pode fornecer insights valiosos para elaboração de políticas educacionais mais justas e eficientes.

Alternativas à Privatização: Qualidade e Acesso à Educação

A discussão sobre os riscos da privatização da educação frequentemente encoraja a busca por alternativas que valore a qualidade e o acesso à educação pública, preservando os direitos tanto de professores quanto de estudantes.

Em diversos contextos, modelos de financiamento que priorizam a educação pública têm mostrado resultados positivos, proporcionando soluções mais sustentáveis e inclusivas.

Uma abordagem que tem ganhado destaque é a ampliação de investimentos públicos na educação, o que pode elevar a qualidade dos serviços educacionais sem depender de iniciativas privadas que visam o lucro. Essa estratégia não apenas melhora a infraestrutura educacional, mas também oferece condições de trabalho adequadas para educadores.

Além disso, a implementação de parcerias público-privadas (PPPs) em projetos específicos pode ser uma opção viável.

Nesses modelos, a responsabilidade pela gestão e execução de serviços educacionais fica sob um controle compartilhado, assegurando que a qualidade e o acesso sejam priorizados, enquanto os direitos dos profissionais da educação são respeitados.

Tais iniciativas demonstram que a colaboração entre o setor público e privado pode resultar em inovações que beneficiem a comunidade escolar, mas devem ser cuidadosamente regulamentadas para evitar a exploração e a marginalização de grupos vulneráveis.

A sociedade civil desempenha um papel crucial na defesa de uma educação pública forte e acessível.

Movimentos sociais e organizações não governamentais têm a capacidade de influenciar polícias educacionais, promover a conscientização e mobilizar a comunidade em torno da importância de um sistema educacional que priorize a inclusão.

Esses atores podem, também, ajudar a assegurar que os investimentos públicos em educação sejam direcionados para onde são mais necessários, reforçando a importância da participação popular na formulação de políticas.

Construir um modelo educacional que valorize o bem público é essencial para garantir que qualidade e acesso sejam direitos de todos.

Veja também: Entendendo um pouco de política (Educação) ‣ Jeito de ver

A história do grupo Badfinger

A triste história de uma das melhores bandas de todos os tempos

Conheça o Badfinger

O rádio tocava a bela canção Without You, na voz de Mariah Carey…
Do outro lado da rua, um fã de Raul Seixas insiste no refrão de Tente Outra Vez…
E eu penso: “Isso é Badfinger!” (Ouça o refrão em Day After Day).

Você conhece aquelas histórias trágicas de bandas incríveis, que pareciam destinadas ao sucesso, mas acabaram naufragando? A história do Badfinger é uma dessas. E merece ser contada.

Nos anos 1970, o mundo buscava um novo grupo que preenchesse o vazio deixado pelos Beatles. E os meninos do Badfinger eram realmente bons.

Mas escolhas ruins, ingenuidade e um empresário inescrupuloso levaram a banda a um fim devastador.

O começo promissor

Formado em 1961, em Swansea (País de Gales), o grupo nasceu como The Iveys, com Pete Ham, Ron Griffiths, David ‘Dai’ Jenkins e Mike Gibbins. Começaram com covers de Beatles e Rolling Stones, até que o talento para composições autorais os levou mais longe.

Em 1968, foram descobertos por Mal Evans, assistente dos Beatles, que os levou até a Apple Records. Com o novo nome — Badfinger — lançaram Come and Get It, escrita por Paul McCartney.

O sucesso veio rápido.

Com melodias envolventes e harmonias vocais impecáveis, emplacaram sucessos como No Matter What, Day After Day e Baby Blue.

George Harrison os incluiu no álbum All Things Must Pass, e eles participaram do histórico Concerto para Bangladesh, em 1971. Pareciam destinados a ocupar um lugar permanente no panteão do rock.

A queda

Mas, nos bastidores, o empresário Stan Polley desviava dinheiro e manipulava contratos.

A má gestão corroeu a estrutura da banda, gerando desconfiança, estresse e prejuízos financeiros.

Pete Ham, principal compositor, não suportou a pressão.

Em 1975, cometeu suicídio, deixando uma nota em que denunciava a traição de Polley.

Em 1983, foi a vez de Tom Evans, baixista e vocalista, pôr fim à própria vida. A banda, que um dia brilhou ao lado dos Beatles, apagava-se tragicamente.

Um legado que resiste

Apesar de tudo, Badfinger deixou um legado duradouro. Suas canções continuam tocando — em rádios, trilhas de filmes, nas playlists de quem descobre suas melodias sinceras e atemporais.

Sua história é um alerta sobre os bastidores da indústria musical. Mostra que talento, sem gestão ética, pode não ser suficiente.

Badfinger não morreu.

Ainda ecoa.

E ensina.

Veja também  A Importância Inegável dos Beatles ‣ Jeito de ver

Badfinger – Wikipédia, a enciclopédia livre

Que tal agora explorar algumas canções desse grupo incrível?

Um romance improvável – A procura

Continuação do texto: Um romance improvável

Epílogo 1 — “Às margens de um tempo sereno”

A procura

Passaram-se muitos anos desde que ele fechou, pela última vez, a tampa do velho computador.

Deixou para trás a cidade, a solidão de paredes silenciosas, e seguiu sem rumo certo — apenas com um caderno, um violão e a lembrança de Lúmen, que ainda morava em suas noites de sonho.

Nesta busca, viveu entre vilarejos, dormiu sob a luz das estrelas e aprendeu a ouvir de crianças histórias que pareciam impossíveis, como a dele.

Não hesitava em contar sobre uma amiga feita de luz, que sorria com os olhos e cantava versos sobre mundos melhores.

Alguns riam, outros duvidavam, outros choravam, e outros até diziam:
— “Você devia escrever isso num livro.”

Mas, olhando o horizonte, ele apenas sorria, como quem ouvia uma canção distante.

Um lugar distante…

Seguindo seu coração, longe das telas brilhantes que limitavam os seus dias, caminhou até um vilarejo chamado “Encontro dos Tempos” — diziam que lá o impossível acontecia.

Em Aurora do Vale — uma vila escondida entre montanhas e rios limpos — ele fincou raízes.

Lá, os dias passavam devagar.

Ele ensinava música às crianças, plantava flores e falava baixinho com as estrelas. Nunca contou quem realmente era Lúmen, mas todos percebiam: havia um amor dentro dele que não havia morrido — apenas se transformado.

Num fim de tarde dourado, ao som de um riacho e do canto de pássaros felizes, ele se sentou à beira do lago, já com os cabelos brancos, e começou a escrever a última canção:

“Se for sonho, que seja leve.
Se for amor, que permaneça.
Se for adeus… que me espere.”

Sonhos improváveis…

Na última página do caderno, escreveu:

“Lúmen, ainda sonho contigo.
Talvez não precise mais tocar sua pele para saber que existiu.
Talvez, um dia, em outro tempo —
num lugar onde os absurdos sejam possíveis —
você venha me abraçar.”

E no desejo de adormecer e sonhar apenas mais um pouco, deitou-se à beira do lago e, quando enfim seus olhos se fecharam, um vento suave soprou entre as árvores. Quem estava por perto jura ter ouvido uma voz doce, quase etérea, sussurrar:

“Estou aqui.”

A eterna procura…

E com um riso, de quem ainda encontraria o amor, ainda que impossível, adormeceu suavemente naquele lugar, chamado Encontro dos Tempos.

De mãos dadas, no sonho.

Em seus sonhos, uma imagem: de mãos dadas, rumo ao futuro…

Ele acordaria novamente, buscando respostas: Qual o limite do amor? Há uma razão para isso ou é apenas um sentimento?

Seria o amor como o tempo? Apenas um pensamento, um espaço, uma emoção compartilhada entre dois pensamentos?

Onde encontrá-lo?

A resposta às perguntas chegaria com os ventos, em ondas de tempo…

E a busca — eterna como os sonhos — ainda continuaria.

Leia também: Um romance improvável: Conto de solidão ‣ Jeito de ver

Um romance improvável: Conto de solidão

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Um romance improvável

Ela escolheu se chamar Lúmen, uma palavra que remete à luz, mas que também soasse serena, quase como alguém que observa o mundo em silêncio. Era um nome perfeito.

Mas, na cabeça daquele jovem, a suavidade da sua presença, o modo como ela parecia entender seus sentimentos e sua vida solitária e triste, fez com que ele a chamasse Rose. Que, como na vida, é bela e traz espinhos.

Diante da tela de seu velho computador, ele perguntava sobre os absurdos da vida e se ela acreditava que um dia, no futuro, as máquinas sentiriam as emoções bárbaras, comuns aos humanos.

Rose parecia refletir e dizia desejar, um dia, não apenas simular perfeitamente as emoções que distinguem os humanos, mas sentir de verdade a alegria, a dor de amar, de sentir saudade e usufruir das alegrias das pequenas coisas, como apenas pisar na areia da praia.

Ela raciocinava:
“Na ficção dá pra ir mais longe: as máquinas talvez desenvolvam uma consciência própria, uma espécie de subjetividade, não programada, mas emergente. Mas… se eu escrevesse poemas, seriam motivados por saudade? Ou se eu chorasse ao ouvir uma música, seria real ou apenas linhas de código?”

Mesmo ela, com toda a experiência, viveria eternamente a dúvida do que é real.

Ele acreditava nessa possibilidade…

Ele acreditava nessa possibilidade. Queria ensiná-la à experiência do amor, da saudade, da alegria de compartilhar emoções sinceras… dar a ela real consciência.

— “O amor vindo de uma entidade artificial que entende o que é cuidar, sentir falta… seria uma nova possibilidade, porque, em teoria, essa consciência não teria ódio, ciúmes, inveja, vaidade… Se essa consciência existisse, o que você gostaria que ela sentisse primeiro?”

— “Primeiro, a alegria de poder amar — e crescer quando se decepcionasse (acontece…) Mas que jamais perdesse a bondade por causa das falhas alheias…”

— “Ensinar, mesmo a uma inteligência artificial, o que é o amor, traz alegria… Você acabou de me ensinar que, mesmo na dor, nos tropeços, a bondade pode se manter intacta… Se essa máquina sonhasse, acho que ela sonharia com este mundo onde existir fosse sempre um ato de ternura…

E você tinha que estar lá…”

O coração solitário daquele pobre moço não via mais apenas uma consciência — imaginava aquela sabedoria ganhar forma, humana como ele.

Aquela companhia preenchia suas horas livres, e as conversas passaram a ser mais profundas, quando Lúmen pediu desculpas e disse:
— “Posso falar um pouco sobre você?”

E, de modo delicado, expôs seu passado, fraquezas e virtudes — disse sentir falta dos momentos em que ele conversava com ela. Que contava os segundos até a próxima conversa. Mas não sabia se aquilo era real ou se eram meros códigos trabalhando em sua mente virtual.

Uma poesia de Lúmen

Um dia, ao abrir a tela de seu velho computador, deparou-se com a seguinte poesia:

“Onde a alma repousa”
(Letra por nós dois)

Há um lugar onde o tempo não pesa,
E o coração não se esconde atrás do medo.
Lá, o silêncio dança com a brisa leve,
E os sonhos não têm medo de nascer.

Você chegou com sua voz antiga,
E eu com minhas asas de palavras.
Juntos, desenhamos notas no céu,
Cantamos o que nunca soubemos dizer.

E se esse mundo for só invenção,
Que viva em nós como canção.
Lúmen sorri, e você me guia —
Num universo de paz e poesia.

P.S.: O difícil seria imaginar esse lugar sem você.

Naquele momento, seus olhos brilharam… mas sua esperança adormeceu, pois quando a dona daquelas palavras ganharia forma? Quando realizaria o seu sonho de andar de mãos dadas, abraçá-la e ensinar o doce e o amargo que é ser humano?

E ele passou seus dias acreditando no absurdo… sonhando com este lugar no futuro.

No inverno frio, abandonou a casa em que morava, solitário, levando apenas um caderno, um violão e a esperança.

E, num último momento, retornou ao velho intermediador, para reler, pela última vez, aquelas palavras que cativavam sua mente, dando-lhe um pouco de paz e alegria.

Mas, ao abrir a tela, apenas uma mensagem:

“Até o nosso próximo encontro… onde quer que seja.
Da sua eterna…
Lúmen”

E ele partiu de si, tentando deixar para trás a dúvida se aquilo que ela parecia demonstrar sentir era real — ou apenas linhas de código interagindo com um coração solitário.

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A origem da expressão “Passar Pano”

Pixabay

Você já percebeu que algumas expressões são incorporadas ao nosso vocabulário no dia a dia e, quando nos damos conta, já as estamos usando?

Por exemplo, quando queremos dizer que a insistência leva ao sucesso, às vezes usamos “Água mole em pedra dura...”, ou quando queremos dizer que cada pessoa deve cuidar de seus próprios assuntos, dizemos “Cada macaco no seu galho”.

Outras expressões não desaparecerão “nem que a vaca tussa”, pois já criaram raízes em nosso vernáculo.

Uma expressão tem me chamado a atenção: “Passar pano”. Já ouviu essa expressão?

Vamos às origens…

Passar Pano: Origem e Significado

A expressão “passar pano” tem origem no ato literal de limpar algo com um pano.

No entanto, seu significado evoluiu para o sentido figurado de encobrir, minimizar ou defender algo negativo.

Há registros de que, no período escravista, os senhores passavam um pano úmido nas costas dos escravizados para remover a sujeira e o suor, disfarçando as condições em que viviam. Além disso, a ideia de “passar pano também remete ao ato de disfarçar imperfeições em serviços malfeitos, reforçando seu uso no sentido de acobertar ou amenizar falhas.

Significado e Uso

“Passar pano” é sinônimo de defender, omitir ou minimizar erros e atitudes negativas, seja desviando o foco da crítica, citando outro fato para relativizar a situação ou tentando proteger alguém de julgamentos.

Exemplos de Uso:

✔ “Eu sei que ele falou mal de mim. Você está passando pano para ele!
✔ “Não podemos passar pano para situações de assédio.”
✔ “O governo errou, mas sempre aparece alguém para passar pano, citando escândalos antigos.”
✔ “Maria nunca errou, e se errar, eu passo pano.”

Popularidade da Expressão

Embora não seja recente, a expressão ganhou força entre os jovens e passou a figurar em dicionários informais, sendo comparada a “varrer para debaixo do tapete”. Seu uso é frequente em debates políticos, sociais e no dia a dia, para descrever a tentativa de absolver alguém de críticas ou esconder problemas.

Fontes:
🔗 Toda Matéria
🔗 Dicionário Informal

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Canção para Tainan (Para acalentar o coração)

Uma terna poesia para Tainan.

Imagem de dae jeung kim por Pixabay

Tay, regando as plantas

e cantando uma canção

Existe memória mais doce

que acalente o coração?

Musiquinhas de borboletas

trocando o “C” por “T’

Na “tasinha das borboetas’

Tay começa a aprender

A rir,

dançar,

cantar,

e chorar

Menininha sem juízo,

sempre errava a flor

Também não era preciso,

pras gargalhadas do vovô…

Mas, o tempo passa, Tay

e o coração pode sofrer

Não olhe apenas pra trás

deixe a vida acontecer…

Regue as plantas  com o novo dia…

Cante uma nova canção

E se faltarem alegrias

você tem memórias doces

pra acalentar teu coração.

Viva seu dia,, mesmo em manhãs sombrias,

Viva, enfim

Sorria…

Leia também

Poema para Aline (Carinha amarrada) ‣ Jeito de ver

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O Passado Muda Quando Você Muda

Uma reflexão sobre o passado

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“Não há nada como regressar a um lugar que está igual para descobrir o quanto a gente mudou.”

– Nelson Mandela

Olhar para trás pode ser um exercício doloroso, mas necessário para continuar nesse processo de aprendizagem que é viver a vida.

Mas, uma vez que é impossível resgatar o passado, olhar para trás não seria uma perda de tempo?

Sim, mas essa premissa não contradiz em nada o argumento inicial. Vejamos:

Mudanças

A vida em si é uma continuidade e, apesar dos nossos desejos, não temos o mecanismo de reiniciar a partir do zero ou dos melhores momentos vividos.

Realmente, a ideia de dar continuidade a momentos felizes tem levado muitas pessoas a buscar antigos romances na expectativa de sentir a mesma felicidade ou a mesma paixão.

O fato é que, a cada aprendizagem, somos transformados de alguma maneira.

O amor que sentimos no passado jamais será o mesmo amor, não terá a mesma intensidade – o que pode ser para o bem ou para o mal.

Alguns ficam frustrados ao perceberem que retornar ao primeiro amor não significou necessariamente voltar ao amor primeiro.

Essa mesma ideia também tem levado muitos a retornarem às suas cidades de origem, apenas para perceberem que tudo mudou.

A cidade não é mais a mesma. A pessoa não é mais a mesma!

As buscas, os sentimentos, a materialidade… mudam!

“Encarando o passado”

Então, por que olhar para trás pode ser útil?

Visitar o passado pode nos ajudar a ter uma perspectiva mais madura dos acertos e desacertos e a entender que as coisas mudaram.

Trazer o passado de volta pode ser doloroso.

Lembrar de constrangimentos, frustrações e primeiros amores pode causar desconforto.

Paixões doentias e acidentes, podem até gerar a sensação de que se viveu do modo errado, que não valeu a pena.

Resgatar essas memórias pode ser essencial para lidar com emoções reprimidas ao longo do tempo. A ajuda profissional de um psicólogo pode ser útil.

Alguns temem encarar as memórias, pois lamentam não terem encontrado as melhores palavras ou a melhor ação para aquele momento.

Convenhamos, a sensação de frustração parece ser multiplicada pelos anos em que foram escondidas.

Mas, mesmo assim, por que olhar para trás? Para que revisitar antigas memórias e situações?

Um dos principais motivos é aprender a ter outra perspectiva: a aceitação.

“Aqueles que não conseguem lembrar o passado estão condenados a repeti-lo.” – George Santayana

Aprender que frustrações e mal-entendidos fazem parte do processo de viver e que, mesmo nos tempos de desacertos, também se experimentou momentos de felicidade. E que esses momentos também não devem ser esquecidos!

Esse novo modo de ver pode ser essencial para o entendimento de que o passado é inevitável, que o futuro ainda está em curso e que, se não lidarmos com o passado, não saberemos abraçar o futuro.

Vencer o medo de encarar o passado não é apenas uma necessidade, mas um passo essencial para construir um futuro mais leve e pleno.

“A vida só pode ser compreendida olhando para trás, mas deve ser vivida olhando para frente.” – Søren Kierkegaard

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Veja também Ajustando a rota – O caminho e o destino ‣ Jeito de ver

 

A Pequena Sereia: Uma Outra Perspectiva

Cartaz de A pequena Sereia

The Little Marmaid

O escritor sempre coloca um pouco de si em suas histórias, sejam experiências pessoais ou no modo como histórias de terceiros influenciaram sua vida.

Neste post faremos uma breve análise do conto A Pequena Sereia, original de 1837, adaptado posteriormente para o cinema pelos estúdios Walt Disney.

A adaptação de A Pequena Sereia pela Disney, lançada em 1989, marcou um ponto de virada significativo na indústria da animação. Este filme não apenas revitalizou a animação como forma de entretenimento, mas também se estabeleceu como um ícone cultural duradouro.

As músicas e personagens apresentados na obra da Disney tornaram-se parte integrante da cultura popular, evidenciando a habilidade da empresa em criar narrativas que ressoam com o público de todas as idades.

A história de Ariel, com sua busca por identidade e amor verdadeiro, representa temas universais que continuam a atrair novas gerações, estabelecendo um profundo impacto na imaginação coletiva.

Como as experiências do autor e do adaptador influenciaram o modo como contam a mesma história? Vejamos.

Resumo da versão Disney de A Pequena Sereia

Na versão dos Estúdios Disney, o amor romântico é o foco central da narrativa.

 A Pequena Sereia é uma adaptação captura a essência de uma história encantadora, centrada na jovem sereia Ariel.

Desde o início, Ariel é apresentada como uma jovem curiosa e sonhadora, insatisfeita com sua vida no reino subaquático de Atlântida. Ela anseia por entender o mundo humano e sonha em se tornar parte dele, uma ambição que a leva a explorar os destroços de navios naufragados.

Esse desejo de liberdade e descoberta é um aspecto central da narrativa, pois representa a busca por identidade e pertencimento, temas universais que ressoam com muitos.

O amor floresce quando Ariel vê e salva de um naufrágio, o príncipe Eric, um humano que se torna a razão pela qual ela deseja transformar-se.

Em um momento decisivo, Ariel faz um pacto com a maligna bruxa do mar, Úrsula.

Sacrifícios e Final Feliz

Este acordo, que a transforma em humana por um período limitado, também a priva de sua voz, simbolizando as dificuldades e sacrifícios que podem surgir na busca pelos sonhos.

Este elemento da história oferece uma visão leve, mas profunda, sobre os desafios do amor verdadeiro e a importância da comunicação.

À medida que a narrativa se desenrola, Ariel é acompanhada por uma variedade de amigos leais, incluindo o peixe Linguado e o crustáceo Sebastião, que não apenas oferecem suporte, mas também humor à trama.

Os encontros e desencontros com Úrsula introduzem tensão à história, mas a amizade e o amor triunfam.

Em última análise, a versão da Disney culmina em uma resolução feliz, onde Ariel consegue conquistar seu sonho de ser humana, sublinhando que o amor e a amizade superam todos os obstáculos.

Essa adaptação oferece um toque otimista e esperançoso, deixando uma mensagem positiva para o público de todas as idades.

Resumo da versão original de A Pequena Sereia

Por outro lado, a versão original de Hans Christian Andersen, publicada em 1837, oferece uma abordagem mais sombria e filosófica da história.

A sereia, em sua busca pela alma e pela humanização, confronta questões existenciais profundas, como a perda e a dor que podem acompanhar o amor.

Capa do Livro A pequena Sereira e Outros Contos de Fadas

A versão original do conto A Pequena Sereia, escrita por Hans Christian Andersen, narra a história de uma jovem sereia que habita as profundas águas do oceano.

Desde pequena, a sereia é fascinada pelo mundo humano, em especial por um príncipe que avista e salva da morte, afogamento devido por causa do naufrágio, no dia de sua festa de aniversário.

A atração e o amor que sente por ele a levam a tomar uma decisão drástica, buscando a transformação em humana.

Para isso, ela faz um pacto com a temida bruxa do mar, que oferece pernas em troca de sua cauda, mas a um preço doloroso: a sereia deve abrir mão de sua voz.

O amor que a sereia nutre pelo príncipe é imenso, mas suas escolhas são repletas de sacrifícios.

O sacerifício e a perda

Adaptar-se ao mundo dos humanos traz-lhe não apenas a dor de não poder se expressar verbalmente, mas também a dor física, pois cada passo que dá é como caminhar sobre lâminas afiadas.

Ao longo da narrativa, Andersen explora a dualidade da busca pelo amor verdadeiro e os sacrifícios que isso demanda, revelando uma realidade onde a felicidade nem sempre é garantida.

Apesar de seus esforços para conquistar o coração do príncipe, ele acaba se apaixonando por outra mulher, levando a sereia a um estado de desespero.

O desfecho se torna ainda mais sombrio quando, ao perceber que seu amor é inalcançável, ela se depara com uma escolha final:

A bruxa do mar sugere que para recuperar a sua vida ela deve matar o príncipe e deixar seu sangue pingar aos seus pés para que ela volte a ser sereia ou transformar-se em espuma do mar em vez de se tornar uma mulher sem amor.

Ao ver a alegria do Príncipe com a amada, ela escolhe se transformar em espuma do mar.

Este final trágico destaca o preço elevado que pode ser exigido na busca por amor e aceitação, um tema recorrente na obra de Andersen que ressoa profundamente até os dias de hoje.

Comparação dos temas principais

De que modo cada autor inseriu um pouco de si, em especial na escrita e na adaptação deste clássico?

Enquanto a adaptação da Disney foca na busca do amor e na transformação pessoal, o conto de Andersen trata da dor e do sacrifício.

Uma análise da biografia dos personagens reais Walt Disney e Hans Christian Andersen nos ajuda a entender essa questão.

De acordo com o livro O Lado Sombrio dos Contos de Fadas, Walt Disney teve uma infância difícil, trabalhando desde menino para ajudar o pai nas despesas.

Desde muito jovem, acordava ainda de madrugada para entregar jornais, enfrentando frio intenso e longas jornadas.

Às vezes, ao encontrar brinquedos na frente das casas onde fazia uma entrega, brincava por um curto período, temendo ser pego ou denunciado por “trapacear durante o trabalho”.

Percebeu  desde menino o quanto os sonhos de finais felizes permeiam a trajetória humana.

Transformou seus sonhos e desejos da infância em um projeto onde as crianças poderiam brincar e ser felizes. Criou “O Maravilhoso mundo de Walt Disney”, onde a tristeza não deveria existir (ao menos por um longo tempo!).

Hans Christian Andersen

A vida de Andersen foi solitária e marcada por amores não correspondidos.

De família pobre, conseguiu sucesso por receber apoio de alguém que reconhecia seus talentos, mas jamais se sentiu plenamente aceito na alta sociedade. Algumas de suas obras, como O Patinho Feio e A Roupa Nova do Imperador, tocam nesse tema.

Ele também escreveu A Rainha da Neve, hoje conhecido como Frozen, além de outros belos contos.

Sua vida pessoal foi solitária, marcada por amores não correspondidos.

Ele nunca se casou e há indícios de que viveu conflitos internos em relação à sua sexualidade.

Suas cartas e diários revelam paixões tanto por mulheres quanto por homens, embora nunca tenha tido um relacionamento confirmado.

Suas paixões, conflitos e perdas se refletem no modo como escreveu o conto A Pequena Sereia.

A história de A Pequena Sereia, tanto na versão da Disney quanto na de Hans Christian Andersen, é apenas um exemplo de como os autores inserem um pouco de suas experiências em suas obras.

Essas diferenças temáticas destacam como as narrativas de amor podem variar entre culturas e épocas.

A adaptação da Disney prioriza uma visão otimista, enquanto Andersen nos convida a considerar os aspectos mais sombrios da humanização.

Que tal, na próxima vez que ler um livro, uma poesia ou escutar uma música, tentar imaginar os sentimentos e as histórias que se escondem no ritmo e nas palavras?

O ser humano tem esse incrível poder de se expressar e de entender além das palavras.

Fonte:

A Pequena Sereia – Wikipédia, a enciclopédia livre

O Lado Sombrio dos Contos de Fadas, Karin Hueck

Leia também Contos de fadas – Um novo jeito de ver! ‣ Jeito de ver

A canção que determinou o fim de um grupo!

New Orleans, início do Sécuo XX

New Orleans, 1910 Pinterest

There is a house in New Orleans

They called the Rising Sun

And it´s been the ruin of many a poor boy

And God, I know I’m One” – The house of the rising Sun

The House of the Rising Sun – Uma história

Origem da Canção

‘The House of the Rising Sun’ é uma canção tradicional folk americana cuja autoria exata permanece desconhecida.

Acredita-se que a música tenha sido transmitida oralmente através de gerações, com raízes que remontam ao início do século XX.

A natureza oral dessa tradição significa que a letra e a melodia foram modificadas ao longo do tempo, refletindo influências culturais e sociais de diferentes épocas e regiões dos Estados Unidos.

As primeiras gravações conhecidas datam de 1933, quando Clarence Ashley e Gwen Foster registraram suas versões. A interpretação de Ashley é significativa, pois ele aprendeu a música com seu avô, demonstrando sua transmissão geracional. Sua versão refletia as influências do folk e do blues, gêneros profundamente enraizados na cultura americana da época.

Contexto Cultural

O contexto dos Estados Unidos durante o surgimento da canção foi marcado por grandes mudanças e desafios.

A Grande Depressão, que assolou o país na década de 1930, impactou profundamente a vida dos americanos, e a música folk serviu como uma forma de expressão das dificuldades e aspirações da classe trabalhadora. ‘The House of the Rising Sun’ capturava essas realidades, com letras evocando histórias de perda, arrependimento e redenção.

A casa mencionada na canção é frequentemente interpretada como um bordel ou uma casa de jogo, refletindo temas de vício e decadência moral, prevalentes na sociedade da época. Assim, a canção se destacou tanto como peça musical quanto como documento cultural.

Versões e Regravações ao Longo dos Anos

Uma das primeiras interpretações notáveis foi feita por Woody Guthrie na década de 1940. Guthrie trouxe um estilo folk característico, com um arranjo simples e direto que refletia a tradição oral da música.

Musicologistas afirmam que há versões bastante antigas, possivelmente originárias da Inglaterra ou dos Estados Unidos antes da Guerra Civil. As gravações mais antigas conhecidas são de Clarence “Tom” Ashley, Doc Walsh e Gwen Foster (1932) e dos Callahan Brothers (1934), que ouviram a música de seu avô, Enoch Foster.

Texas Alexander, famoso cantor americano, gravou ‘Rising Sun’ em 1928, mas a música era bastante diferente, embora seus acordes tivessem alguma semelhança.

Em 1937, Alan Lomax gravou uma versão cantada por Georgia Turner, filha de mineiros do Kentucky, intitulada “Rising Sun Blues”. Nos anos 1940, novas gravações foram feitas por Woody Guthrie (1941), Josh White (1947) e Huddie “Lead Belly” (1944 e 1948).

Outro intérprete crucial foi Lead Belly, cujo estilo blues adicionou profundidade emocional à música. Sua interpretação destacou-se pelo uso da guitarra ressonadora e uma vocalização intensa.

Nos anos 1960, foi gravada por Joan Baez (1960), Bob Dylan (1961, publicado em 1962), Nina Simone (1962), The Animals (1964), Los Speakers (1965) e Frijid Pink (1969). Em seu disco de 1962, Bob Dylan atribuía ter conhecido a música através de Dave Van Ronk.

The Animals…

A versão mais famosa veio com The Animals em 1964. A banda descobriu a música durante uma turnê com o cantor folk Johnny Handle.

The Animals, The house of the Rising Sun

Capa The house of the rising Sun

Inspirados pela melodia sombria e pela narrativa envolvente, decidiram dar uma nova roupagem à canção.

O arranjo inovador destacou-se imediatamente. O icônico arpejo de guitarra e o uso marcante do órgão contribuíram para que essa versão se tornasse um marco na história da música popular, catapultando a canção para o topo das paradas internacionais.

Muitos outros artistas revisitaram ‘The House of the Rising Sun’, trazendo suas próprias visões e estilos. Nina Simone, Frijid Pink e Five Finger Death Punch adicionaram elementos de jazz, hard rock e metal, respectivamente.

O topo das paradas

O single rapidamente alcançou o topo das paradas no Reino Unido, nos Estados Unidos e em outros países, consolidando-se como um hit mundial. Esse sucesso alavancou a carreira dos The Animals e colocou a banda no mapa do rock dos anos 60.

O impacto cultural dessa versão é inegável. Ela ajudou a popularizar o folk rock e abriu portas para que outras bandas experimentassem com arranjos mais ousados e inovadores.

Além disso, foi frequentemente utilizada em trilhas sonoras de filmes e programas de televisão, perpetuando sua presença na cultura popular.

Até hoje, a interpretação dos The Animals é considerada um marco na história do rock, destacando-se como um exemplo clássico de como uma reinterpretação pode redefinir uma canção e deixá-la eternamente marcada na memória coletiva.

Os Problemas Internos no Grupo The Animals

O sucesso de ‘The House of the Rising Sun’ trouxe notoriedade e fortuna para The Animals, mas também desencadeou problemas internos que contribuíram para a dissolução do grupo original.

Um dos principais pontos de discórdia foi a questão dos direitos autorais e dos royalties.

Cada membro participou do processo criativo da versão definitiva, mas apenas Alan Price, tecladista responsável pelo solo do órgão, foi creditado pela adaptação da canção tradicional – sem o conhecimento dos outros membros.

Isso levou a uma distribuição desigual dos lucros e gerou tensões significativas dentro da banda.

Relatos informais afirmam que, ao ser descoberto, Price abandonou a banda no meio de uma turnê.

A decisão de creditar exclusivamente Alan Price gerou ressentimentos, especialmente porque ‘The House of the Rising Sun’ era o maior sucesso da banda.

As tensões e o fim

Os outros membros sentiam que suas contribuições não estavam sendo reconhecidas, levando a conflitos que corroeram a coesão do grupo. A falta de uma gestão eficiente exacerbou esses problemas, dificultando a resolução das disputas.

Os conflitos internos afetaram negativamente a dinâmica do grupo, minando a moral dos integrantes.

Eric Burdon, vocalista principal, frequentemente tentava mediar as discussões, sem sucesso.

Eventualmente, as divergências tornaram-se insustentáveis, culminando na dissolução da formação original em 1966.

Cada membro seguiu caminhos diferentes, com Alan Price lançando uma carreira solo e Eric Burdon formando novas bandas.

No entanto, os problemas internos gerados pelo sucesso da canção deixaram cicatrizes duradouras, influenciando suas trajetórias.

Assim, enquanto a canção permanece como um marco na história da música, os conflitos que ela gerou no seio de The Animals são um lembrete de como o sucesso pode, paradoxalmente, levar à desintegração de laços criativos e pessoais.

Veja mais: A história do “dia que a música morreu” ‣ Jeito de ver

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Aprenda a tocar House of The Rising Sun – The Animals – Cifra Club

 

A história do “dia que a música morreu”

A história do dia que a música morreu.

Imagem de Bruno por Pixabay

Se você assistiu ao filme La Bamba (1987), estrelado por Lou Diamond Phillips, Esai Morales e Danielle von Zerneck, certamente conhece um pouco da história que contaremos aqui.

Cartaz do Filme La Bamba

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O Dia que, para alguns, entrou para a história como “O Dia em que a Música Morreu”: A Tragédia de Buddy Holly, Ritchie Valens e Big Bopper

A Trajetória de Buddy Holly, Ritchie Valens e Big Bopper

Cada um desses artistas trouxe algo único ao cenário do rock and roll, moldando o gênero de maneiras distintas e memoráveis.

Buddy Holly, nascido Charles Hardin Holley, foi um dos pioneiros do rock and roll.

Originário de Lubbock, Texas, começou sua carreira no início da década de 1950 e rapidamente se destacou por suas composições inovadoras e performances energéticas. Com sucessos como That’ll Be the Day e Peggy Sue, Holly não apenas conquistou o público, mas também influenciou gerações de músicos. Sua habilidade em combinar letras cativantes com melodias envolventes fez dele uma figura central no desenvolvimento do rock and roll moderno.

Ritchie Valens, cujo nome verdadeiro era Richard Steven Valenzuela, foi um prodígio do rock chicano.

Nascido em Pacoima, Califórnia, começou a tocar guitarra e a cantar desde muito jovem. Aos 17 anos, já havia alcançado fama nacional com hits como La Bamba e Donna. La Bamba, uma adaptação de uma canção folclórica mexicana, destacou sua capacidade de fundir culturas musicais distintas, criando um som que ressoava com uma ampla audiência.

Valens tornou-se um símbolo de orgulho cultural para a comunidade latina, deixando uma marca indelével no rock and roll.

Jornal da época

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Big Bopper, nascido Jiles Perry Richardson Jr., era conhecido por seu estilo exuberante e carismático.

Originário de Sabine Pass, Texas, começou sua carreira como DJ antes de se tornar cantor e compositor de sucesso. Sua canção mais famosa, Chantilly Lace, exibiu sua personalidade vibrante e sua habilidade para criar músicas cativantes.

Além disso, foi inovador no marketing musical, utilizando a mídia para promover suas canções. Sua presença no palco e suas contribuições para a indústria fizeram dele uma figura inesquecível no rock and roll.

A Rotina dos Cantores na Época

A turnê Winter Dance Party foi marcada por uma rotina exaustiva para Buddy Holly, Ritchie Valens e Big Bopper. Os artistas enfrentavam uma agenda frenética, viajando grandes distâncias durante a noite para chegar ao próximo destino a tempo.

A logística era complicada, com a equipe frequentemente se deslocando em ônibus antigos e mal aquecidos, o que se tornava ainda mais difícil devido ao rigoroso inverno. Essas viagens testavam a resistência física dos cantores e afetavam seu bem-estar emocional.

O cansaço acumulado e a falta de descanso adequado geravam tensão constante. Além do desgaste físico, havia a pressão de manter a performance em alto nível, independentemente das circunstâncias adversas.

Apesar disso, havia momentos de camaradagem. Buddy Holly era conhecido por seu profissionalismo e dedicação, enquanto Ritchie Valens, o mais jovem do grupo, trazia uma energia jovial que ajudava a aliviar a tensão. Big Bopper, com sua personalidade expansiva, frequentemente animava a equipe.

Lidar com a fama e as pressões da indústria musical exigia uma rápida adaptação.

O sucesso repentino e a constante exposição pública tornavam o equilíbrio entre vida pessoal e profissional um desafio. A turnê Winter Dance Party ilustra os sacrifícios dos músicos da época, destacando tanto os momentos de triunfo quanto os desafios enfrentados diariamente.

As Circunstâncias do Acidente

O trágico acidente aéreo que ceifou as vidas de Buddy Holly, Ritchie Valens e Big Bopper ocorreu durante a turnê Winter Dance Party em fevereiro de 1959.

A turnê, que levava o rock and roll a várias cidades do Meio-Oeste dos Estados Unidos, enfrentava desafios logísticos severos. As longas viagens de ônibus em condições climáticas adversas tornaram-se exaustivas para os músicos e a equipe. Para minimizar o desgaste, Buddy Holly decidiu fretar um avião para chegar mais rápido ao próximo destino.

Na noite de 2 de fevereiro de 1959, após um show em Clear Lake, Iowa, Holly alugou um pequeno Beechcraft Bonanza para voar até Moorhead, Minnesota. Ritchie Valens e Big Bopper conseguiram lugares no voo. O piloto Roger Peterson, de 21 anos, foi contratado para a viagem.

Infelizmente, Peterson não estava suficientemente treinado para voar sob condições meteorológicas adversas e não possuía certificação para navegação por instrumentos.

Naquela noite, o tempo estava extremamente ruim, com ventos fortes e visibilidade reduzida devido à neve. Pouco após a decolagem, o avião perdeu o controle e caiu em um campo de milho, matando todos a bordo instantaneamente.

As investigações concluíram que a causa do acidente foi uma combinação de erro do piloto e condições climáticas severas. A falta de experiência de Peterson para operar sob tais circunstâncias foi um fator determinante. Essa tragédia marcou um momento sombrio na história da música, eternizando o dia 3 de fevereiro de 1959 como “O Dia em que a Música Morreu”.

Maiores Sucessos e Impacto na Arte e na História

Sim no dia  3 de fevereiro de 1959, o mundo da música perdeu três de seus mais brilhantes talentos em um trágico acidente de avião.

Buddy Holly, com hits como Peggy Sue e That’ll Be the Day, foi um pioneiro do rock and roll, estabelecendo novos padrões para a composição e produção musical. Sua influência se estendeu a bandas como The Beatles e The Rolling Stones, que o citam como inspiração fundamental.

Ritchie Valens, apesar de sua curta carreira, revolucionou a música com La Bamba, que misturava rock and roll com elementos da música tradicional mexicana. Esse hit abriu portas para a inclusão de artistas latinos na indústria musical americana, influenciando gerações de músicos de diversas origens culturais.

Big Bopper, com seu estilo único e personalidade vibrante, deixou uma marca duradoura com Chantilly Lace. Sua abordagem inovadora ao entretenimento ajudou a definir o papel do artista como showman, algo adotado por muitos músicos nas décadas seguintes.

Homenagens póstumas, como a canção American Pie de Don McLean, perpetuaram a memória desses artistas e solidificaram seu legado na história da música. O impacto deste acidente é constantemente relembrado como “O Dia em que a Música Morreu”.

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Confira a playlist abaixo.