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Minha Experiência no Kwai e no TikTok

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Redes sociais. Vale a pena?

Minha Experiência no Kwai e no TikTok

Um experimento sobre conteúdo reflexivo nas redes sociais

Com a chegada da data de encerramento das atividades do nosso blog cultural Jeito de Ver -História e Cultura decidi uma nova experiência.

O nosso site prioriza a cultura e as reflexões.

Durante algumas semanas, decidi testar uma hipótese simples: conteúdo reflexivo tem espaço nas redes sociais?

Postei os mesmos textos — sobre paternidade, solidão, música, filosofia — no TikTok e no Kwai. O que descobri foi revelador, preocupante e, no fim, libertador.

O Experimento

Decidi postar vídeos com textos reflexivos em ambas as plataformas, nas mesmas condições, e comparar resultados.

Usei os seguintes textos;

  • “E então nasceu uma menina” (sobre paternidade inesperada)
  • @gilsonchaves27
  • “Solidão” (reflexão filosófica)
  • “O louco e a lua” (poesia)
  • “Rosa Negra” (divulgação de talento local)

A meta inicial era alcançar 1.000 visualizações em 30 dias.

E por fim, me desdobrando em mil partes entre trabalho secular, pesquisas e a mais nova experiência… encontrei a resposta.

Os Números

TikTok

  • Paternidade: 127 visualizações (3 dias)
  • Solidão: 119 visualizações (4 dias)
  • Padrão: Todos os vídeos travavam entre 119-127 views
  • Engajamento: Baixíssimo
  • Conclusão: O algoritmo simplesmente não distribui conteúdo reflexivo

Kwai

  • Paternidade: 1.032 visualizações (24 horas)
  • Solidão: 1.042 visualizações (24 horas)
  • Padrão: Consistentemente ~1.000 views nas primeiras 24h
  • Engajamento: 130 curtidas (19,2% de taxa)
  • Meta: Alcançada em 1 dia (esperava 30)

Proporção: Kwai performou aproximadamente 8x melhor que TikTok.

Você talvez diga: os números da segunda plataforma são bem superiores ao da primeira, não é verdade?

Mas, vamos aos fatos:

A Descoberta Incômoda: Bots

Ao analisar as notificações do Kwai, percebi padrões suspeitos:

Sinais de comportamento automatizado:

  • Nomes como “theusg10”, “mlqq184”, “Osas578”, “tavvsq”
  • Perfis com fotos genéricas ou vazias
  • Apenas curtidas/compartilhamentos (nunca comentários específicos)
  • Horários espaçados mecanicamente

Estimativa conservadora: 60-80% das visualizações no Kwai eram bots.

Realidade ajustada:

  • Kwai: ~1.000 views → 300-400 humanos reais
  • TikTok: ~120 views → 100-120 humanos reais

Mesmo descontando bots, o Kwai ainda alcançava 3-4x mais pessoas reais. Isso é um fato!

Os Comentários (Poucos, Mas Reveladores)

Entre centenas de curtidas robóticas, alguns comentários genuínos apareceram:

Sobre paternidade:

“me arrependi da minha rejeição mas é difícil” ( se não for real, é um bot bem sentimental! – risos)

Sobre solidão:

“Os outros dizem que eu sou forte, só eu sei que eu tenho que passar”( esse apesar de parecer real, parece um bot bem resiliente!)

Esses momentos — raros, vulneráveis, humanos ou bots bem sentimentais — provavam que o conteúdo tocava quem realmente assistia.

Mas eram gotas no oceano de interações falsas.

Gotas incertas em um oceano real.

O Ambiente Tóxico

Além dos bots, percebi algo mais perturbador:

Kwai e TikTok são dominados por:

  • Fake news massivas (impulsionadas por bots partidários)
  • Discurso de ódio normalizado
  • Insinuações pornográficas disfarçadas
  • Polarização extrema (impossível ter diálogo com nuance)
  • Analfabetismo funcional (incapacidade de interpretar contexto)

Vamos ao passo três do Experimento;

Caso concreto: A Mecânica da Manipulação

Este episódio recente ilustra perfeitamente como funciona esse ecossistema tóxico.

O contexto:

O presidente, ao abordar o tema do tráfico de drogas, tentou argumentar sobre a relação entre consumo e mercado ilegal.

A fala foi mal articulada — como tantas declarações presidenciais ao longo da história brasileira — e rapidamente virou munição política.

A extrema direita investiu pesadamente em bots para amplificar e distorcer a declaração, transformando um erro de comunicação em trending topic manipulado.

Minha tentativa de diálogo:

Comentei em um dos perfis que exploravam o tema: “Presidentes brasileiros costumam dar declarações infelizes. Lembram quando outro presidente, durante a pandemia, ao ser questionado sobre o número de mortos, respondeu que não podia fazer nada porque ‘não era coveiro’?”

Meu ponto era simples e apartidário: todos os presidentes, independente de espectro político, cometem gafes públicas. Não estava defendendo nem atacando — estava pedindo coerência crítica e contexto histórico.

A reação:

Grupo 1 (partidários de extrema-direita):
Interpretaram minha comparação como “defesa” do presidente atual. Ataques imediatos, sem leitura atenta.

Grupo 2 (analfabetos funcionais):
Não entenderam a analogia. “Por que você está falando de coveiro?” — Incapacidade de conectar dois momentos históricos semelhantes.

Grupo 3 (bots):
Amplificaram automaticamente qualquer comentário que gerasse indignação, independente do conteúdo.

Grupo 4 (pensadores — raríssimos):
Silêncio. Minorias racionais não fazem barulho em ambiente de guerra algorítmica.

O que isso revelou:

Ninguém quis entender. Todos queriam lacrar.

O mundo dos algoritmos não há espaço para:

  • Comparações históricas (exigem memória)
  • Pensamento crítico equilibrado (não serve à polarização)
  • Nuance (algoritmos premiam preto-e-branco)
  • Diálogo (só existem trincheiras)

A mecânica da manipulação ficou clara:

  1. Declaração polêmica (real ou distorcida)
  2. Investimento em bots (milhares de perfis falsos repetem narrativa)
  3. Algoritmo amplifica (indignação = engajamento = lucro)
  4. Consenso artificial (parece que “todo mundo pensa assim”)
  5. Impossibilidade de contexto (quem tenta é atacado por ambos os lados)

Percebi naquele momento: não estou dialogando com pessoas. Estou alimentando máquinas de raiva projetadas para impedir pensamento.

O nível intelectual médio é baixíssimo. E não é acidente — é projeto sistêmico alimentado por algoritmos que premiam indignação, não reflexão.

A pergunta verdadeira não era: “Meu conteúdo funciona?”

Era: “Vale a pena?”

As Conclusões

1. Conteúdo reflexivo TEM espaço (tecnicamente)

  • Kwai prova que algoritmo pode distribuir
  • Pessoas reais podem se emocionar e comentar
  • Taxa de engajamento genuíno é alta (quando acontece)

2. MAS o espaço é contaminado

  • Inflado por bots (números falsos)
  • Tóxico por design (fake news, ódio, pornografia)
  • Insustentável financeiramente (custo > retorno)
  • Destrutivo emocionalmente (ambiente caótico)

3. O problema não é o conteúdo — é a plataforma

  • TikTok sufoca reflexão (algoritmo ultra-competitivo)
  • Kwai infla artificialmente (bots + sistema de recompensas)
  • Ambas priorizam viralidade sobre qualidade
  • Ambas são mercenárias (não há lealdade, gratidão ou memória)

4. Há outro caminho

  • Livros (permanentes, tangíveis, dignos)
  • Leitores de livro ≠ usuários de TikTok
  • Qualidade > quantidade
  • Paz mental > números inflados

A Decisão

Decidi desinstalar e abandonar definitivamente os aplicativos da experiência.

Vou deixar os vídeos postados — como garrafas lançadas ao mar. Quem se perder naquele caos e tropeçar numa reflexão, talvez encontre algo que o ajude a crescer.

Apenas desinstalarei os aplicativos.

Não com raiva. Não com frustração.

Com clareza.

Com a certeza de que a experiência valeu a pena.

Conclusão

Há sempre algo a aprender. E…

Sobre redes sociais:

  • São ferramentas, não comunidades
  • Algoritmos premiam o pior da humanidade
  • Números são ilusões (bots, manipulação, efemeridade)
  • Não se planta orquídeas em pântano

Sobre conteúdo reflexivo:

  • Tem valor — mas precisa do público certo
  • Comentários profundos > curtidas automáticas
  • 10 leitores atentos > 10.000 scrollers compulsivos
  • Livros são o formato correto para profundidade

Sobre mim:

  • Não preciso de aprovação algorítmica
  • Posso encerrar ciclos com dignidade

O Futuro

Vou focar no que importa:

✍️ Segundo livro: Crônicas do Cotidiano: Para Continuar a Estrada
(Sobre as mudanças que precisamos aceitar para continuar vivendo com qualidade)

🌐 Encerramento do site: Com dignidade, preservando memória cultural local, mas removendo contos e reflexões pessoais (que serão exclusivas do livro)

📖 Legado: Obra permanente, não posts efêmeros

Mensagem Final

Se você está lendo isso, provavelmente se pergunta a mesma coisa que eu me perguntei:

“Meu trabalho tem valor nesse mundo digital caótico?”

Resposta: Sim. Mas talvez não onde você está procurando.

Não desista do conteúdo. Desista da plataforma errada.

Não brigue com algoritmos. Construa algo permanente.

Não se contamine com toxicidade. Preserve sua paz.

A estrada é longa. Para continuar nela, às vezes precisamos mudar de caminho.

Gilson Cruz
Autor de “Crônicas do Cotidiano”
Iaçu, Bahia
2025

Nota técnica

Dados do experimento completo:

Métrica TikTok Kwai Proporção
Views médias 120 1.000+ 8,3x
Humanos reais (estimado) 100-120 300-400 3-4x
Bots (estimado) 10-20% 60-80% —
Comentários genuínos 0-1 2-3 —
Taxa engajamento real <5% 10-15% —
Custo emocional Médio Alto —
Sustentabilidade Não Não —

Conclusão científica: Conteúdo reflexivo alcança mais pessoas no Kwai, mas ambiente tóxico e inflação por bots tornam ambas plataformas inadequadas para trabalho sério de longo prazo.

Leia também: Discurso de Ódio nas Redes Sociais ‣ Jeito de ver

Brasil processa TikTok, Kwai e Meta em R$ 3 bilhões por exposição de menores nas redes | Tecnologia | Época NEGÓCIOS

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A arte como objeto de competição

2 comentários em A arte como objeto de competição , , , , , , , , , , , , ,

Imagem de mazsola65 por Pixabay

Você já percebeu que a arte, em especial a música, tem sido objeto de competição na televisão em programas como o The Voice, Superstar e coisas do gênero?

Por que isso acontece?

Primeiro, precisamos entender que o objetivo primário de programas desse tipo não é descobrir novos talentos ou garantir a manutenção da carreira de novos artistas.

Sim, se você acreditava nisso, é hora de acordar…

Lembre-se: o objetivo da televisão é gerar audiência e, consequentemente, lucros.

Então, que tal examinar os festivais de música e a sua consequente transformação em arenas musicais?

Como surgiram as torcidas musicais? De que modo o público foi infantilizado?

Vamos embarcar nesta jornada de festivais… com muita música! (Mas sem competir… está bem?)

Da celebração à competição: quando a arte virou disputa (e o que isso nos diz sobre nós mesmos)

Woodstock – O festival de celebração

“As futilidades são justamente o que move a humanidade!” – ouvi esta frase em algum lugar!

Mas as pessoas realmente precisam de pequenas coisas para que a vida seja mais significativa.

O problema acontece quando as pequenas coisas ganham grandes proporções…

Como o papo aqui é sobre Festivais de Música, vamos mergulhar nessas fontes.

Em 1969, quando jovens estadunidenses de famílias menos privilegiadas eram enviados para a vergonha da Guerra do Vietnã, um grupo de pacifistas se reuniu para um projeto: oficialmente, “3 Dias de Paz e muita Música”.

O conhecido festival de Woodstock.

Aquele festival histórico reuniu cerca de meio milhão de pessoas em uma fazenda em Bethel, Nova York.

No projeto: três dias de Paz e Música.
Na prática: um grande experimento de utopia, onde jovens celebravam a música, o pacifismo em plena Guerra do Vietnã, a liberdade e a contracultura.

Bem…

Choveu? Choveu, pra caramba! O lamaçal? – De causar inveja a Caranguejo!

Faltou comida? Faltou!

As estradas? Uma bagunça… um caos.

Mas o espírito?

Esse permaneceu firme: voluntários da comunidade Hog Farm distribuíam alimentos, equipes médicas atendiam quem precisava, e o povo dividia o que tinha — barracas, água, cigarros, abraços.

E, pasme: apenas três mortes (algumas fontes dizem duas!) em meio a meio milhão de pessoas.

E naquela festa duas criancinhas vieram ao mundo!

Não é pouca coisa.

Como resumiu Max Yasgur, dono da fazenda:
“Vocês provaram ao mundo que meio milhão de jovens podem viver juntos em paz.”

As lamas no caminho…

Só que… algo mudou no caminho.

Apesar do sonho, os artistas que se apresentaram no Festival estavam lá a trabalho, e eles também precisavam de dinheiro para viver.

É duro saber que a vida não é uma eterna festa, não é verdade?

Com o tempo, novos festivais aconteceram; outros foram remodelados, de modo que o espírito do compartilhamento foi dando lugar ao da competição.

O que era festa virou concurso.
O que era celebração comunitária virou disputa por holofotes.

Woodstock faliu, não no propósito — mas no método.

A entrada acabou liberada quando as multidões romperam as cercas, e o festival se tornou gratuito.

Já os eventos posteriores passaram a buscar lucro — muito lucro.

Daí surgiram os realities musicais como American Idol (2002) e seus derivados. O talento virou produto: patrocinadores, votos pagos, contratos engessados.

A liberdade dos festivais X a prisão dos realities

Em Woodstock, Jimi Hendrix distorceu o hino americano em protesto contra a guerra.

Em muitos realities, o objetivo do participante é apenas cantar direitinho o sucesso do momento e agradar ao júri.

O novo virou cover.

E aquela inclusão toda? Lá na fazenda em Bethel, hippies, famílias, veteranos de guerra se misturavam.

Já nos realities, há filtros: quem tem uma “história comovente”, visual de estrela e disposição para virar personagem de novela.

Os realities viraram uma fábrica — de talentos, sim, mas também de dramas.

A arte cedeu lugar ao entretenimento: cortes emocionantes, conflitos entre jurados, candidatos chorando no palco… tudo isso dá mais audiência do que música autoral.

Estudos mostram que jovens fãs desses programas tendem a valorizar mais a aparência e o drama do que a habilidade artística em si.

E por que essa sede por competição?

Porque vivemos na sociedade do espetáculo.

Nada é tão “reality” assim…

A lógica é simples: em tempos de excesso de informação, o que prende nossa atenção é o conflito.

O reality Big Brother (lançado em 1999) elevou isso ao máximo: provas humilhantes, isolamento, eliminações em praça pública.

E a meritocracia?

Alguns programas vendem a ideia de que “qualquer um pode vencer”.

Só não contam que os candidatos muitas vezes precisam arcar com viagens, roupas caras, abandonar o emprego e estar prontos para contratos que tiram autonomia.

Após vencer o American Idol, Kelly Clarkson assinou com a RCA Records e alcançou sucesso imediato com o single “A Moment Like This”, que liderou a Billboard Hot 100.

Seu álbum de estreia, Thankful (2003), estreou no topo da Billboard 200, e o segundo, Breakaway, tornou-se seu maior sucesso comercial, vendendo mais de 12 milhões de cópias e rendendo dois Grammy Awards.

Em 2007, lançou My December, um álbum mais autoral e criativo, que gerou conflitos com a gravadora por ser considerado menos comercial.

Pois é, Kelly Clarkson precisou brigar para poder escrever suas próprias músicas!

E assim, de Woodstock a William Hung, da distorção do hino por Hendrix ao cover obrigatório dos realities, muita coisa se perdeu na travessia.

Festivais que celebram a arte

Existem vários Festivais de Música.

Um dos destaques é o Festival de Inverno de Lençóis, na Bahia. O evento busca fomentar o turismo local durante a baixa temporada e promover a cultura da região.

O que esperar do Festival de Inverno de Lençóis:

Música:
O festival conta com diversas atrações musicais, com foco em artistas locais e regionais, além de nomes conhecidos do cenário nacional, como divulgado em outras edições.

Natureza:
A localização privilegiada de Lençóis, na Chapada Diamantina, oferece paisagens deslumbrantes e oportunidades para atividades ao ar livre, como trilhas e passeios.

Cultura:
O festival também promove a cultura local, com apresentações de artistas, grupos folclóricos e outras manifestações culturais da região.

Gastronomia:
A parceria com o Sabores da Terra – Festival Gastronômico Itinerante – garante uma experiência que valoriza os produtores locais, com pratos típicos e produtos artesanais.

Turismo:
O festival é uma oportunidade para impulsionar o turismo na região, atraindo visitantes de diversas partes do Brasil e do mundo, que buscam a beleza natural e a cultura de Lençóis.

– Informações extraídas de um informativo sobre a cidade de Lençóis, na Bahia.

Apoiar artistas independentes ou festivais locais pode fomentar novas utopias.

Reinventar a lógica: talvez a resposta esteja em iniciativas como o Tiny Desk Concerts (YouTube) ou Sofar Sounds, onde o foco volta a ser a música – sem jurados, sem votos, apenas compartilhamento.

“Woodstock foi um experimento social utópico, e justamente por isso faliu… mas seu fracasso nos mostrou que a arte pode ser um ato político de rebeldia contra a competição desenfreada.”

A “futilidade” que move a humanidade talvez seja justamente a busca por esses raros momentos em que a arte nos lembra: podemos ser mais que adversários.

As pessoas não iriam mais mostrar talento, iriam agora competir com artistas de gêneros e estilos diferentes… não é verdade?

Imagem de EyeCandyDesignz por Pixabay

O que se dá nos realities musicais.

Realmente, a utopia “Woodstockiana” é o que se pode chamar de sonho impossível em tempos de capitalismo selvagem.

A ideia de haver “um vencedor” esconde o fato de que outras lindas obras, ressalto em diferentes estilos, estavam lá.

A infantilização do público

Citando os grandes festivais de MPB nas décadas de 1960-1980, o público transformou-se em torcida, vaiou e, o mais interessante, não se permitiu ouvir as outras canções.

Ligar a competição musical à perda da escuta ativa e à infantilização do público (transformado em “torcida”) não é um fenômeno novo: os festivais da MPB foram laboratórios disso décadas antes dos realities.

Festivais da MPB (1960-1980): Quando a plateia virou “torcida organizada”

Vaias como arma ideológica

  • Nos Festivais de MPB, durante os anos 60, cantores podiam ser vaiados ou ovacionados ao defender as suas canções. A plateia julgava não a qualidade musical, mas o alinhamento político da canção.

  • Lucinha Lins, Cibele e Cynara, Sérgio Ricardo e muitos outros intérpretes experimentaram as vaias de um público que não sabia aceitar aquilo que era diferente dos seus gostos musicais.

Poderíamos comparar a estética dos programas musicais dos anos 1960.

A rivalidade entre Jovem Guarda (festivais da TV Record) e a MPB engajada (TV Excelsior) refletia a polarização do Brasil pós-64.

Enquanto as canções da Jovem Guarda eram chamadas de “bobinhas” pela elite intelectual, Vandré era tratado como profeta (“Pra Não Dizer que Não Falei das Flores”, 1968).

O mito da “democracia musical”…

Os júris técnicos eram frequentemente boicotados pelo público, como um ensaio do que seriam os realities futuros.

Em 1967, a canção vencedora do Festival de Música Popular brasileira (“Ponteio”, de Edu Lobo) foi escolhida pela plateia, não pelos jurados. Um ensaio para a tirania do gosto popular dos realities.

Mas surge daí uma pergunta para reflexão: qual seria a audiência de tais programas caso não houvesse a competição?

A psicologia da competição – a busca pela audiência

Por que viramos “torcida”? A psicologia da competição

  1. Tribalismo cultural:
    Competições transformam arte em disputa de identidades.
    Torcer por um artista vira defender seu grupo (rock vs. sertanejo, esquerda vs. direita).

Lembro-me de uma frase que ouvi tempos atrás: “O brasileiro reduz o complexo a uma rivalidade de estádio.”

  1. Economia da emoção barata:
    Vaias e gritos geram engajamento instantâneo (e audiência). Lembrem-se: a audiência tem sido mais importante que a qualidade dos programas.
    A televisão explorou isso nos festivais e nos realities de música, editando brigas de fãs. Nos realities, roteirizam “rivalidades”.

  2. Morte da nuance:
    Quando 30 segundos decidem uma eliminação (como no The Voice), não há espaço para experimentação.
    Daí a ascensão de bangers (músicas explosivas) em detrimento de canções lentas ou complexas.

A superficialidade dos realities

Os realities musicais brincam com a inteligência dos telespectadores ao colocar no mesmo “ringue” cantores de vozes e estilos diferentes.

Os ouvintes não terão o privilégio de sentir a música, ouvir a letra… serão influenciados por preferências estilísticas.

Belos cantores, que sonham com o sucesso, estarão lá mais pela exposição que pela fé na estrutura do programa.

Comparemos dois modelos:

A Festa (Circo Voador, anos 80)
O Circo Voador era palco de bandas do rock brasileiro no início da década de 1980.

Cazuza erra a letra de “Exagerado”. Gritos: “Toca de novo!”

Sim, é verdade que Cazuza, durante um show no Circo Voador, errou a letra da música “Exagerado”.

É comum que artistas errem a letra de suas próprias músicas em apresentações ao vivo; muitas situações foram registradas em vídeo, com gritos da plateia pedindo para que os astros repetissem a música.

Artistas compartilhavam o palco (você podia curtir Barão Vermelho + RPM juntos, no mesmo palco!).

Reality (The Voice Brasil)
Sob pressão, o cantor desafina e se torna vítima de ataques e piadas no Twitter (o atual X) e demais redes sociais.

Errando a letra, pode não haver uma segunda chance.

Artistas sobem juntos no palco não para compartilhar.

São batalhas, onde dois cantores lutam por uma vaga.

Onde está o problema?

O problema está justamente no modo como nos habituamos a ouvir música.

A música deixou de ser o elemento principal; tornou-se pano de fundo de atividades cotidianas — e disso os realities se apropriaram magistralmente.

Aprenderam a explorar a futilidade!

Como resgatar a escuta?

A música está por aí, que tal dar uma chance?

  • Rodas de samba ou saraus periféricos: onde não há “vencedor”, só comunhão.

  • Algoritmos afetivos: playlists como Radio Woodstock no Spotify, que misturam estilos sem rankings.

  • Artistas rebeldes: como Liniker, que tem coragem de interromper shows para dizer: “Aqui ninguém vai vaiar ninguém”.

  • Os meninos do Madds, de Taubaté: que resgatam com personalidade clássicos das décadas de 1960 e 1970 e têm um excelente repertório autoral.

  • ou mesmo nos barzinhos, onde novos artistas procuram um espaço.

Lembre: “A competição é a zona de conforto do capitalismo.”

Futilidades movem o mundo, mas só as que lembram que somos humanos — não torcedores — sobrevivem.

Se há em sua cidade festivais onde o foco é o artista, a música e a diversidade da cultura, não deixe de prestigiar: esteja presente, curta o momento!

Permita-se influenciar pela arte, o que raramente se vê quando esta se torna motivo de competição.

E você, o que acha? Deixe o seu comentário abaixo e participe desse projeto com a gente.

Leia também: Propaganda musical e Empobrecimento cultural ‣ Jeito de ver

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Revisado por IA.

A Cultura da Tortura: Análise

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Ilustração de um instrumento de tortura.
Cadeira de tortura

Imagem de Hans por Pixabay

A Cultura da Tortura: Da Inquisição às Investigações Policiais

Vamos refletir, neste post, sobre a cultura da tortura — seu surgimento, a figura dos falsos heróis e os paralelos entre práticas inquisitoriais e as caças às bruxas.

Enquanto alguns ainda tentam justificar a tortura como método de interrogatório, outros questionam sua eficácia e legitimidade. Afinal, haveria alguma justificativa real para sua aplicação?

A proposta aqui é simples: compreender, de modo direto, como essa cultura se perpetuou ao longo do tempo — inclusive em regimes como o nazismo — e como tantos torturadores se ampararam na ideia de que apenas “cumpriam ordens”.

Franz Stangl, comandante do campo de extermínio de Treblinka, disse certa vez em uma entrevista:

“Minha consciência está limpa. Eu estava simplesmente cumprindo meu dever…”

A Reação e o Clamor por Justiça

A reação imediata à barbárie é o clamor por justiça. A ausência de punição gera revolta.

É muito comum ouvirmos relatos de pessoas que decidiram “fazer justiça” com as próprias mãos, por meio de linchamentos.

Programas de televisão populares entre 1980 e 2010 exploravam crimes terríveis com sensacionalismo, apresentando histórias de forma a fazer o telespectador sentir a injustiça vigente no país.

Diante deste cenário, as pessoas clamam por mudanças.

Daí surgem falsos heróis, repetindo padrões históricos de séculos e séculos.

Na ânsia de “solucionar rapidamente” um crime e satisfazer o desejo de sangue da população, métodos cruéis foram aplicados em muitos inocentes.

Falsos Heróis

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Leia também: Contos de fadas – Um novo jeito de ver! ‣ Jeito de ver

Consulte o excelente site:

Armazém Memória – Armazém Memória

Como Ler um Poema? ( Como a vida deve ser)

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Sem complicações…

Assim como a vida, os poemas não precisam ser complicados.

Um mundo de palavras, histórias e sentimentos cabe nas poucas palavras de um pequeno poema…

e cada um conta a sua história.

Se você sofreu, amou, perdeu, superou — tudo pode estar lá, nas pequenas palavras.

Mas… como ler um poema?

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Toda ajuda é bem-vinda e recebida com gratidão.

A Síndrome do Vira-Lata: Uma Análise

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Uma bela imagem do Brasil.
Introdução

Vivemos em um mundo onde culturas se encontram, se influenciam e, muitas vezes, se confrontam.

No Brasil, esse cenário ganha contornos particulares: por um lado, temos uma rica diversidade cultural; por outro, enfrentamos um sentimento persistente de inferioridade diante do que é estrangeiro.

Este artigo propõe uma reflexão sobre o conceito de superioridade cultural e a chamada “síndrome do vira-lata”, termo consagrado por Nelson Rodrigues.

Ao analisar também a influência do estilo de vida americano e os limites entre apreciação e apropriação cultural, buscamos compreender os mecanismos que moldam a forma como os brasileiros percebem sua própria identidade.

A Superioridade Cultural e a Síndrome do Vira-Lata:

Uma Análise Psicológica

O Conceito de Superioridade Cultural

A ideia de superioridade cultural implica que certos valores e práticas tornam uma cultura intrinsecamente melhor do que outras.

Historicamente, esse pensamento foi reforçado pela colonização, onde culturas dominantes impuseram seus costumes às consideradas “inferiores”.

Este é um trecho da crônica presente no livro
Crônicas do Cotidiano – Um Novo Jeito de Ver
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Luiz Gonzaga – O Rei do Baião

2 comentários em Luiz Gonzaga – O Rei do Baião , , , , , , , , , ,
alt="Disco de vinil de Luiz Gonzaga"

Por muito tempo, as praças das pequenas cidades do interior nordestino ficavam lotadas de homens que se aventuravam em caminhões desconfortáveis ou ônibus em péssimas condições para o trabalho nas fazendas de corte de cana no Sudeste do Brasil.

Se expunham ao trabalho pesado, alguns morriam picados por cobras venenosas, outros penavam de saudade.

A bebida alcoólica fazia companhia ao sofrimento de muitos.

O Sudeste era símbolo de progresso, e o Norte e Nordeste eram vistos como símbolos de abandono e atraso.

Mas, como se deu isso?

A herança colonial

Esta é uma das heranças do período colonial, em que a exploração do território brasileiro foi feita de forma predatória e concentrada em ciclos econômicos regionais (a cana-de-açúcar no Nordeste, o ouro em Minas, o café no Sudeste).

À medida que o ciclo do café cresceu, especialmente no século XIX, o Sudeste passou a ter maior influência política e econômica.

Era onde estavam as elites econômicas e políticas…

Este é um trecho do texto presente no livro
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Leia também: A Evolução da Música Caipira no Brasil ‣ Jeito de ver

Baião: A Dança Nordestina de Raiz

Fonte: Wikipedia

Biografia de Luiz Gonzaga – eBiografia

Explicando a Paixão pelo Bebê Reborn

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alt: Foto de pezinhos de bebê.
Explicando a Paixão pelo Bebê Reborn

Imagem de Marjon Besteman por Pixabay

Como Explicar a Paixão pelo Bebê Reborn?

Vários “papais e mamães” de bebês reborn se reúnem em eventos em grandes praças para compartilhar experiências com seus “filhos”. Bonecos que, à primeira vista, parecem crianças de verdade!

Alguns estão lá para expandir os negócios, afinal, vender esses bonecos super realistas virou uma atividade bem lucrativa.

Mas não vamos questionar, neste post, por que — mesmo com tantas crianças precisando de um lar — algumas pessoas escolhem um ser inanimado.

Isso já foi uma tendência lá nos anos 1980, quando muita gente preferia adotar cachorros, apesar do número expressivo de crianças para adoção. Inclusive, essa onda inspirou a música “Rock da Cachorra”, do Eduardo Dusek.

É fato: cuidar de uma vida exige muito mais do que cuidar de um boneco.

Aqui, a ideia é tentar entender as razões, além das comerciais, que alimentam a febre dos bebês reborn.

O que são os Bebês Reborn?

Os bebês reborn são bonecos criados com um nível de realismo impressionante, feitos para parecerem bebês de verdade.

A coisa começou nos anos 1990, quando artistas começaram a customizar bonecos de plástico, transformando-os em réplicas super fiéis de recém-nascidos.

O processo é cheio de técnicas caprichadas: textura de pele, cor dos olhos, detalhes minuciosos como cabelos e unhas. O objetivo é criar um bebê que não só pareça real, mas também desperte sentimentos — aquela vontade de cuidar, de proteger.

A técnica do “reborn” (que significa “renascer”) geralmente começa com a remoção da pintura original do boneco, seguida da aplicação de várias camadas de tinta para imitar a pele humana com perfeição.

Além disso, muitos artistas modelam traços faciais e adicionam peso, movimento… tudo para que, ao ser segurado, o boneco passe a sensação de um bebê de verdade.

Essa atenção aos detalhes é o que encanta colecionadores e apaixonados.

Com o tempo, o mercado de bebês reborn cresceu bastante, formando uma comunidade de colecionadores que compram, vendem e trocam essas peças.

Hoje, há artistas independentes e pequenas empresas oferecendo bebês reborn de vários estilos, tamanhos e preços, agradando gostos bem variados.

Para muitos, não é só um hobby, mas também uma forma de expressão artística.

Uma maneira de lidar com emoções e criar conexões que, mesmo sendo com bonecos, são muito reais e profundas.

Por que tanta gente se apaixona pelos Bebês Reborn?

O fascínio pelos bebês reborn vai muito além da ideia de colecionar bonecos — é uma conexão emocional intensa que muita gente sente.

Um dos motivos principais é o desejo de cuidar, de maternar ou paternar.

Para quem não teve a oportunidade de ter filhos, ou passou por perdas, o bebê reborn pode ser uma forma de viver esse instinto, preenchendo uma lacuna emocional.

Muitas “mamães” e “papais” reborn sentem um forte impulso de nutrir e proteger, como fariam com uma criança de verdade.

Além disso, tem quem encontre nesses bonecos uma espécie de conforto emocional.

O realismo deles ajuda a aliviar a solidão, oferecendo uma sensação de companhia. E para quem enfrenta momentos difíceis, essa interação pode funcionar como uma espécie de terapia.

Cuidar de um bebê reborn pode ser um jeito de dar uma pausa no corre-corre e nas pressões da vida moderna.

Outro aspecto importante é a motivação pessoal, que varia muito.

Tem quem veja o bebê reborn como uma verdadeira obra de arte, valorizando a exclusividade e o talento envolvido na criação. Essas pessoas costumam participar de comunidades, onde trocam experiências e dicas.

Por outro lado, há quem crie uma ligação emocional mais profunda, vivendo a rotina como se realmente cuidasse de um bebê — um espaço seguro e sem riscos para expressar amor e afeto.

Cada experiência é única, e essa diversidade de motivos mostra como essa paixão pode mexer com emoções bem complexas.

Implicações Sociais e Possíveis Transtornos

O fenômeno dos bebês reborn já ganhou espaço em várias esferas sociais, provocando reações diversas — tanto entre o público em geral quanto entre profissionais da saúde.

Tem quem trate esses bonecos como se fossem bebês de verdade.

Embora pareça inofensivo, esse hábito gera algumas polêmicas, especialmente em locais públicos, como hospitais.

Em ambientes onde o cuidado com vidas reais é prioridade, a presença de bebês reborn pode causar desconforto ou confusão, abrindo espaço para um debate: até que ponto isso é aceitável?

É sempre bom lembrar: são bonecos, objetos. Mas, ao mesmo tempo, a interação com eles desperta sentimentos reais, o que acaba provocando reações variadas.

Alguns profissionais de saúde reconhecem que os bebês reborn podem ter um papel terapêutico, ajudando quem está passando por luto ou enfrentando doenças. Outros, porém, temem que esse apego possa desviar a atenção dos cuidados reais.

Além disso, a sociedade nem sempre vê essa prática com bons olhos.

Tem quem ache que tudo não passa de escapismo, enquanto outros defendem como uma alternativa saudável para lidar com as emoções.

A linha entre um hobby que faz bem e um comportamento preocupante é bem tênue.

Psicólogos e pesquisadores ainda discutem se essa atração pode estar ligada a questões como o Transtorno de Apego Inseguro ou até Transtornos de Personalidade.

O desafio está em separar o que é saudável do que pode prejudicar a saúde mental.

Casos curiosos (ou preocupantes?) já aconteceram: “mamães reborn” que levaram seus bonecos a postos médicos achando que estavam com febre, outras que tentaram vacinar os bebês… e até quem pediu licença-maternidade!

Por isso, é fundamental que esse tema seja mais estudado, para que se encontre o melhor jeito de lidar com essa tendência que só cresce.

O que diz a Psicologia sobre essa mania?

O universo dos bebês reborn está cada vez mais popular, envolvendo pessoas de todas as idades.

E a psicologia tem várias explicações para esse apego.

Especialistas dizem que esse vínculo pode estar relacionado a necessidades emocionais não atendidas: carinho, afeto, a vontade de cuidar.

Para quem viveu perdas, solidão ou não conseguiu realizar o sonho de ser mãe ou pai, o bebê reborn surge como uma espécie de resposta, de alívio.

Interagir com esses bonecos pode ajudar a suavizar dores emocionais, permitindo projetar sentimentos e desejos sem as responsabilidades (e os desafios) que um bebê real exige.

Essa dinâmica pode ser essencial para quem, por motivos pessoais ou sociais, não conseguiu viver essa experiência de maneira tradicional.

Além disso, o carinho por bebês reborn também pode ser visto como uma forma de autocuidado e proteção.

A participação em comunidades ajuda bastante: oferece um espaço seguro, livre de julgamentos, onde dá para trocar experiências, aprender e, principalmente, se sentir acolhido.

Mas é importante: quem sentir que está sobrecarregado emocionalmente, deve buscar apoio — seja com terapia ou grupos de suporte.

Entender as raízes desse comportamento é essencial para garantir que ele traga bem-estar, sem se transformar em algo que prejudique a saúde emocional.

Revisado por IA.

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A História do Blues: Da Dor à Emoção Profunda

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Imagem meramente ilustrativa, Guitarra e Blues.

Apresentação:

Antes de ser um gênero musical, o blues é um grito — um lamento que ecoa da alma ferida, atravessa o tempo e encontra abrigo nas cordas de um violão, no sopro de uma harmônica, na voz rouca que canta sem pressa.

Nascido do sofrimento, moldado nas plantações do sul dos Estados Unidos e forjado na resistência de um povo, o blues não pede licença: ele invade, emociona, transforma.

Neste texto, você vai viajar pelas origens do blues, suas metamorfoses ao longo das décadas e as figuras lendárias que o eternizaram.

Vai entender como esse som, que brotou do chão batido e da dor ancestral, cruzou fronteiras, inspirou revoluções musicais e continua pulsando no coração de artistas modernos.

E, sobretudo, vai sentir — porque o blues, mais do que se explicar, se vive.

Prepare-se para caminhar por essas estradas sonoras que nos levam ao passado, mas falam, com surpreendente clareza, do presente.

As Raízes do Blues: Um Grito de Sofrimento

O blues surgiu nas comunidades afro-americanas do sul dos Estados Unidos, no fim do século XIX e início do XX.

Suas origens estão profundamente ligadas às dores da escravidão e às lutas diárias dos seus descendentes.

Os primeiros músicos, muitos deles trabalhadores rurais, transformaram o sofrimento em canção — narrando perdas, opressão e a persistência em sobreviver.

Mais do que um gênero musical, o blues nasceu como um reflexo visceral da condição humana, transmitido pela emoção crua e pelo som carregado de verdade.

Suas raízes fincaram-se nos cantos de trabalho, nas canções de campo e nos hinos entoados nas plantações.

Esses elementos moldaram sua estrutura melódica e rítmica, trazendo à tona um novo estilo, marcado pela improvisação e pela comunicação direta da dor e da esperança.

Instrumentos como o violão e a harmônica serviram de ponte entre as histórias de vida e o coração do ouvinte — traduzindo a realidade em arte.

O blues não se formou isolado.

Absorveu influências e dialogou com outros gêneros, criando um painel rico e em constante movimento.

A liberdade do jazz, o apelo espiritual do gospel e a energia crua do rhythm and blues coexistiram em seu universo, dando origem a novos caminhos — como o rock and roll.

Assim, o blues continua a ecoar, reinventando-se sem perder seu centro: a expressão sincera das emoções humanas.

Transformações do Blues: Evolução e Inovações

Desde seu nascimento nas margens do delta do Mississippi, o blues tem sido um organismo vivo, em constante reinvenção.

Inicialmente marcado por estruturas simples e intensas, logo começou a dialogar com novos estilos, sem trair sua alma.

Na década de 1940, essa fusão deu origem ao rhythm and blues, catalisando o surgimento do rock and roll.

Nomes como Muddy Waters e Howlin’ Wolf foram fundamentais nesse processo, trazendo o blues do campo para a cidade e para novos públicos.

Suas sonoridades, já elétricas, prepararam o terreno para um renascimento do gênero, mantendo vivo o grito que está na sua essência.

Com o tempo, o blues incorporou instrumentos elétricos, arranjos mais elaborados e uma produção moderna.

Artistas como Gary Clark Jr. e Joe Bonamassa são exemplos de como a tradição pode conviver com a inovação. Eles misturam o blues com elementos de rock e jazz, preservando sua profundidade emocional enquanto abrem novas trilhas.

O blues é, portanto, um gênero dinâmico, que absorve sem se perder, que evolui sem se apagar. Sua transformação é uma celebração de sua resiliência — um testemunho de que dor, quando transformada em arte, atravessa gerações.

Pioneiros do Blues: As Lendas que Moldaram o Gênero

A história do blues não pode ser contada sem mencionar os gigantes que o moldaram.

Robert Johnson, o lendário “rei do blues do Delta”, nasceu em 1911 e deixou um legado imortal com canções como Cross Road Blues e Sweet Home Chicago. Sua habilidade em mesclar melodia e lirismo pungente criou uma base que ecoa até hoje.

B.B. King, por sua vez, elevou o blues a novas alturas. Conhecido como “O Rei do Blues”, deu à guitarra elétrica um novo papel: o de voz da alma. Com faixas marcantes como The Thrill is Gone, levou o blues a plateias ao redor do mundo, tornando-se um símbolo de expressividade e resistência.

Muddy Waters foi quem trouxe o blues do campo para a cidade.

Em Chicago, nos anos 1950, com músicas como Hoochie Coochie Man, ajudou a criar um estilo urbano, poderoso e eletrificado. Seu trabalho não só redefiniu o gênero, como influenciou profundamente o rock e o jazz.

Esses artistas não foram apenas músicos; foram mensageiros de uma época.

Suas canções, além de emocionantes, refletiram as tensões sociais e raciais do século XX. Eles não apenas tocaram instrumentos — tocaram consciências.

Os Melhores Blues da História: Clássicos Incontornáveis

A força do blues também está em suas canções inesquecíveis.

The Thrill is Gone, de B.B. King, é um desses marcos. Sua melodia carregada de melancolia e sua letra profunda sintetizam a alma do blues e inspiram gerações de músicos.

Cross Road Blues, de Robert Johnson, é outro pilar. Composta nos anos 1930, evoca conflitos internos e espirituais, e se tornou símbolo de uma era.

Sua influência perdura, atravessando décadas e gêneros.

Já Hoochie Coochie Man, de Muddy Waters, representa a virada do blues rural para o urbano.

Com sua energia e ousadia, a canção ajudou a definir o estilo de Chicago e pavimentou o caminho para o blues moderno.

Essas obras não apenas marcaram época; elas continuam a dialogar com o presente. São testemunhos vivos de como dor e emoção podem se tornar arte, tocando o que há de mais humano em nós.

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Banda Toto – Seus Sucessos e Dramas

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A banda Toto foi formada em 1977, em Los Angeles, Califórnia
Sabe aquelas frases em uma música que você ouve uma vez e ficam gravadas na memória por um bom motivo?

Em uma dessas muitas viagens, escutei no rádio uma canção que dizia: “Assim que a eternidade for alcançada… terei esquecido você!”

Não sei se a frase se tornou especial por eu estar longe da minha família ou por causa da tristeza recente de ter perdido alguém querido. Só sei que ela permanece entre as mais belas que já ouvi.

A frase (em tradução livre) é da música I’ll Be Over You, da banda Toto.

Se você ainda não conhece o Toto, permita-me compartilhar um pouco da história deles.

A Formação e os Primeiros Anos

A banda Toto foi formada em 1977, em Los Angeles, Califórnia, por um grupo de músicos talentosos que já desfrutavam de carreiras bem-sucedidas como músicos de estúdio.

O núcleo era composto por David Paich (tecladista) e Jeff Porcaro (baterista), amigos desde a época do colégio e parceiros em diversos projetos musicais.

A formação inicial também incluía Steve Lukather (guitarrista), David Hungate (baixista), Steve Porcaro (tecladista) e Bobby Kimball (vocalista).

Esses músicos compartilhavam não apenas um profundo respeito mútuo por suas habilidades, mas também uma paixão por diversos gêneros, do rock ao jazz, passando pelo R&B e o soul.

A ideia de formar uma banda surgiu naturalmente, como uma necessidade de expressar o talento de uma forma que os estúdios não permitiam plenamente.

Desde o início, o Toto buscou um som acessível, mas que também refletisse suas ambições artísticas. Em uma cena dominada pelo rock progressivo e pela disco music, a banda encontrou um espaço próprio ao combinar elementos desses estilos.

Com composições elaboradas, arranjos criativos e um elevado nível técnico, suas primeiras músicas logo chamaram atenção.

Os primeiros shows foram bem recebidos, e a banda conseguiu rapidamente um contrato com a Columbia Records.

Seu álbum de estreia, Toto (1978), trouxe clássicos instantâneos como Hold the Line e I’ll Supply the Love, recebendo elogios da crítica e conquistando um público fiel.

A combinação de baladas marcantes e faixas mais enérgicas revelou a versatilidade do grupo, que já se apresentava como uma força promissora no cenário musical.

Os primeiros anos do Toto foram marcados por intensa criatividade e crescente sucesso, moldando um estilo que evoluiria ao longo das décadas.

A soma do talento individual e da busca por inovação estabeleceu as bases de uma carreira duradoura e significativa.

O Sucesso Avassalador de ‘Toto IV’

Lançado em 1982, o quarto álbum de estúdio do Toto, Toto IV, representou um marco na trajetória da banda.A banda Toto foi formada em 1977, em Los Angeles, Califórnia

Após recepções mistas dos álbuns anteriores, o grupo se dedicou à criação de um trabalho ambicioso e meticuloso.

O processo de gravação foi exaustivo, mas o esforço coletivo resultou em um disco que mesclava, com maestria, rock, pop e elementos da música clássica.

O álbum trouxe algumas das faixas mais icônicas do Toto, como Africa e Rosanna.

Com letras envolventes, harmonias ricas e arranjos precisos, essas canções cativaram público e crítica. Africa, com sua batida hipnótica e melodia inconfundível, rapidamente se tornou um clássico atemporal.

O impacto de Toto IV foi imenso: o álbum vendeu milhões de cópias no mundo todo e recebeu certificações de ouro e platina em diversos países.

Aclamado por sua excelência técnica e criatividade, conquistou seis prêmios Grammy, incluindo Álbum do Ano e Gravação do Ano por Rosanna.

Essas conquistas não apenas celebraram a habilidade dos músicos, mas também elevaram o Toto ao patamar de lenda da música internacional.

O sucesso estrondoso de Toto IV consolidou a banda no estrelato e garantiu seu lugar na história, tanto pela técnica quanto pela capacidade de emocionar e cruzar fronteiras musicais.

Mudanças na Formação e Desafios

Ao longo das décadas, o Toto passou por várias mudanças de formação, enfrentando desafios que, por vezes, ameaçaram a continuidade da banda, mas também abriram caminho para novas possibilidades.

Uma das primeiras mudanças marcantes ocorreu em 1982, com a saída do vocalista Bobby Kimball, cuja voz havia contribuído de forma decisiva para o som característico do grupo.

Apesar disso, a entrada de Joseph Williams em 1986 trouxe uma nova identidade sonora, ajudando a manter a relevância da banda.A banda Toto foi formada originalmente em 1977, em Los Angeles, Califórnia

Além das trocas de integrantes, o grupo enfrentou questões pessoais e profissionais que testaram sua união.

Problemas com drogas e tensões internas dificultaram a produção de álbuns e a realização de turnês.

Steve Lukather, guitarrista e membro fundador, assumiu frequentemente a responsabilidade de manter o grupo coeso.

A perda do baixista Mike Porcaro, em 2015, vítima de esclerose lateral amiotrófica, foi um golpe doloroso, que afetou profundamente a banda.

Apesar de todos esses obstáculos, o Toto conseguiu se reinventar. Cada nova formação trouxe influências diferentes, resultando em variações de estilo ao longo da discografia.

Essa resiliência não apenas garantiu a continuidade do grupo, como também revelou a paixão de seus integrantes pela música e pelos fãs.

Herança Musical e continuação

Desde sua origem nos anos 70, o Toto construiu um legado sólido na música mundial.

Com talento excepcional e uma abordagem eclética, a banda emplacou sucessos como Africa e Hold the Line, destacando-se pela qualidade técnica e pela habilidade de transitar entre gêneros.

Essa fusão de estilos influenciou gerações de músicos, muitos dos quais consideram o Toto uma referência essencial em suas trajetórias.

Mesmo após o auge da fama, a banda manteve-se ativa com novos lançamentos e turnês globais.

Álbuns como Kingdom of Desire e Mindfields, lançados nas décadas de 1990 e 2000, demonstram a capacidade de adaptação e evolução sem perder a essência que os tornou únicos.

As apresentações ao vivo continuam a encantar o público, oferecendo experiências musicais marcadas pela energia e virtuosismo.

Paralelamente ao trabalho com a banda, os integrantes exploraram projetos solo. Steve Lukather, por exemplo, lançou álbuns aclamados que evidenciam sua versatilidade como guitarrista e compositor. David Paich e Joseph Williams também seguiram contribuindo para a música em diversas frentes — como produtores, arranjadores e intérpretes.

Hoje, o Toto segue surpreendendo os fãs com novas músicas e shows. A formação atual, que reúne nomes clássicos e novos talentos, continua a criar e a emocionar.

Rumores sobre futuras formações mantêm vivo o interesse do público, provando que, mesmo diante das mudanças da indústria, o legado do Toto permanece forte, inspirador e profundamente relevante.

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Toto – Wikipédia, a enciclopédia livre

Dia das Mães: Origem e Impacto Cultural

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Amor, consideração, confiança…

1. As Origens de um Gesto de Amor

Todos os anos, no segundo domingo de maio, milhões de pessoas ao redor do mundo dedicam um tempo para homenagear suas mães.

Mas o Dia das Mães, mais do que uma data marcada no calendário ou uma ocasião de compras, é uma oportunidade de voltar o olhar para algo essencial: o amor que nos gerou, acolheu e sustentou — mesmo nas fases mais difíceis da vida.

Essa celebração tem raízes profundas. Na Grécia Antiga, já existiam festas dedicadas às mães dos deuses. Mas a origem moderna do Dia das Mães nasceu nos Estados Unidos, no coração de um tempo de conflitos e transformações.

Ann Maria Reeves Jarvis, uma mulher sensível às dores do mundo, criou em 1858 os Mothers’ Day Work Clubs, com o objetivo de melhorar as condições de saúde das famílias operárias. Mais tarde, ela organizaria os Mother’s Friendship Days, tentando curar feridas deixadas pela Guerra de Secessão.

Poucos anos depois, a escritora Julia Ward Howe publicaria o Mother’s Day Proclamation, um manifesto pela paz. Mas foi a filha de Ann, Anna Jarvis, quem conseguiu transformar a ideia em realidade.

Em 1907, dois anos após a morte de sua mãe, Anna realizou um memorial em sua homenagem.

Aquilo que começou como um gesto pessoal se espalhou como um sopro coletivo. Em 1914, o Congresso norte-americano reconheceu oficialmente o segundo domingo de maio como o Dia das Mães.

Curiosamente, Anna Jarvis acabaria se afastando do movimento, desgostosa com a transformação da data em um evento comercial. Seu sonho era que as pessoas expressassem amor com palavras e gestos, e não com presentes obrigatórios.

2. No Brasil e em Países Lusófonos

No Brasil, a comemoração começou em 1918, em Porto Alegre, trazida pela Associação Cristã de Moços.

Em 1932, Getúlio Vargas oficializou o Dia das Mães, impulsionado por feministas que viam na data uma forma de valorizar a mulher e a maternidade em um momento importante da história brasileira — o ano da conquista do voto feminino.

Em 1947, a Igreja Católica incluiu a celebração em seu calendário litúrgico.

Já em Portugal e nos países africanos de língua portuguesa, o Dia da Mãe é celebrado no primeiro domingo de maio, em sintonia com o mês dedicado a Maria, mãe de Jesus.

Antes, a data era associada ao 8 de dezembro, dia da Imaculada Conceição, mas acabou sendo transferida para o mês das flores e da ternura.

A data, embora comum a muitos países, carrega expressões culturais distintas. Em todas essas versões, porém, permanece o mesmo fio condutor: o reconhecimento da maternidade como força essencial da vida.

3. Entre a Emoção e o Apelo Comercial

Hoje, o Dia das Mães é uma das datas mais importantes do comércio, perdendo apenas para o Natal.

Amor, proteção…

Vitrines se enfeitam, propagandas se multiplicam, e a indústria encontra na figura materna um poderoso símbolo de consumo.

A National Retail Federation, por exemplo, estima que só nos Estados Unidos, os gastos com a data ultrapassam dezenas de bilhões de dólares anualmente.

Mas por trás das cifras e campanhas publicitárias, o que realmente conta é a memória. É o colo. É a ausência sentida. É o abraço ainda possível.

Em cada canto do mundo, mães seguem sendo força e abrigo.

Algumas já não estão aqui — mas permanecem. Outras lutam silenciosamente por seus filhos, muitas vezes sem reconhecimento. Celebrar esse dia é lembrar de todas elas. Das que cuidam. Das que educam. Das que resistem.

Mais do que um domingo especial, o Dia das Mães é um lembrete: o amor materno, em suas muitas formas, é uma das grandes forças que sustentam o mundo.

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Fonte:

Dia das Mães – Wikipédia, a enciclopédia livre

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© Gilson da Cruz Chaves – Jeito de Ver Reprodução permitida com créditos ao autor e ao site.