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Vestido de Roupa Nova – Uma vida inteira!

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O grupo Roupa nova acompanha gerações com belas canções

Roupa Nova

Roupa Nova: Trilha Sonora de uma Vida

“Todos os dias, todas manhã
Sorriso aberto e Roupa Nova…”
— Roupa Nova, Milton Nascimento

Falar sobre o grupo Roupa Nova é como abrir o velho baú das memórias. Não é apenas música — é infância, juventude e afeto embalados em canções.

Talvez eu não seja a melhor pessoa do mundo para contar a biografia do Roupa Nova, pois falar do grupo Roupa Nova é estranho — é como revisitar a minha infância.

Relembrar as dificuldades para ir à escola no início dos anos 1980, quando, infelizmente, muitas instituições de ensino estavam em estado de abandono, reflexo da negligência de um governo autoritário que não valorizava a educação.

A situação era tão crítica que a escola Arquiteto Raul Cajado teve, intencionalmente, uma de suas letras trocadas para formar um trocadilho digno de processos…

Na cidadezinha em que eu morava, todos os prédios escolares estavam arruinados naquele início de década.

Nesse ambiente de descaso, as harmonias perfeitas e as músicas animadas do Roupa Nova acompanhavam meus passos rumo aos prédios que pareciam cenário de filme de guerra.

Em casa, a velha televisão valvulada da marca Colorado — preto e branco — ocupava a sala de estar.

Nos fins de semana, programas musicais e os rádios traziam as novidades.

As canções do grupo davam mais leveza aos novos dias.

Os Famks, os Motokas…

Mas a história deles era bem mais antiga do que eu imaginava.

Tudo tinha começado lá atrás, nos anos 1960, quando ainda não existia o Roupa Nova.

Em 1967, nascia o grupo Os Famks, no Rio de Janeiro.

Animavam festas e bailes, mas ainda não contavam com os integrantes que viriam pra encantar.

Foi só nos anos 1970 que os caminhos desses seis músicos se cruzaram de vez: Paulinho, Serginho Herval, Nando, Kiko, Cleberson Horsth e Ricardo Feghali.

Ainda como Os Famks, lançaram dois discos e, por um tempo, usaram o nome Os Motokas para gravar versões de sucessos internacionais.

Mas a virada veio no final da década.

Surge então o Roupa Nova.

A banda assinou com a gravadora Polygram e decidiu investir num som próprio.

Roupa Nova

O nome Roupa Nova foi inspirado em uma canção de Milton Nascimento e Fernando Brant, que gravaram em 1980.

O rádio tocava Sapato Velho…

Minha cabeça de menino não compreendia bem o significado, mas meu coração sentia algo diferente.

O nome Roupa Nova foi inspirado em uma canção de Milton Nascimento e Fernando Brant

Roupa Nova

A música me inspirava a viver grandes coisas, mesmo sem entender direito.

Com o tempo, percebi: ela falava da passagem dos anos, das experiências e de um amor que não envelhece.

Ainda hoje, com cinquenta e poucos, ouço e me emociono.

A Canção de Verão era febre nas rádios.

Tentava seguir o contrabaixo do Nando — meu baixista favorito, mas neste grupo todos eram favoritos!

Na minha meninice, sonhava em assistir a um show daqueles que me acompanhavam nas manhãs escolares.

Aquela trilha sonora deixava tudo mais bonito.

A década de 1980 foi um estouro.

Era difícil escolher uma melhor música: Clarear, Lumiar, Vira de Lado, Voo Livre, Bem Simples, Anjo, Boa Viagem, Fora do Ar, Sensual, Chuva de Prata, Tímida e Não Dá. Whisky a Go Go virou clássico, tema de abertura da novela Um Sonho a Mais, junto com Chuva de Prata, num dueto com Gal Costa.

Lembro que, em todo baile que eu ia, havia uma regra: a banda tinha que tocar Whisky a Go Go.

Anos depois, senti a emoção do público ao tocá-la nas festas em que pude me apresentar.

Mas pra mim, tudo era Lumiar e Voo Livre.

Com o início da adolescência, as harmonias me arrepiavam a espinha.

Meus amigos curtiam as mais agitadas, mas eu… era das baladas românticas.

Em 1985, mais sucessos…

A banda lançou o disco mais vendido da carreira: mais de dois milhões de cópias!

A minha quinta série teve como trilha sonora Dona (tema de Roque Santeiro), Seguindo no Trem Azul, Linda Demais, Sonho, Corações Psicodélicos e Show de Rock’n Roll, que tocavam durante os vinte minutos de intervalo na escola.

As paixões aconteciam, e talvez por isso eu fosse mais chegado às músicas românticas.

Nos anos seguintes, eles continuaram firmes.

Vieram com Um Sonho a Dois (com Joanna), Volta Pra Mim, A Força do Amor, Cristina, De Volta Pro Futuro, Meu Universo É Você e Vício.

Em 1989, ainda com gás, gravaram Eu e Você com José Augusto, tema da novela Tieta, parceria perfeita!

Anos 90 – Adolescência, paixões e músicas

Na década seguinte, os tempos de menino ficaram pra trás.

Gostava de cantar a música Cristina, que foi lançada em 1987… sonhava tocar o projeto de minha banda, mas a vida nem sempre segue o curso desejado.

Aos 22 anos, passei a trabalhar em uma escola — de poucos recursos, mas diferente daquelas do início da década anterior — breve carreira de professor.

Lembro de um aluno de seis anos que me perguntou: “Professor, o senhor gosta do Roupa Nova?”

Mas… a resposta era óbvia demais!

Expliquei ao pequenino que, desde bem menino, colecionava discos e fitas do grupo.

Fui presenteado com a Fita K-7 Frente e Versos.

O álbum trazia sucessos como Coração Pirata, tema de Rainha da Sucata.

Trazia também uma linda versão de Yesterday, dos Beatles, e parcerias ousadas como Esse Tal de Repi Enroll, com o grupo americano The Commodores.

Eu era apaixonado por Cartas.

Em 1991, lançaram o primeiro álbum ao vivo, revisitando clássicos como Lumiar, Anjo, Linda Demais, Volta Pra Mim, Clarear, entre outras. Duas faixas inéditas viraram trilha de novela: Felicidade e Começo, Meio e Fim, que marcaram a novela Felicidade, da Globo.

Aquele ano trouxe também um momento simbólico: a banda subiu ao palco do Rock in Rio!

Releituras

Eles revisitaram seus sucessos e dividiram Todo Azul do Mar com Beto Guedes.

Uma das mais belas canções, numa nova roupagem!

Em 1993, veio De Volta ao Começo, só com releituras de clássicos da MPB.

Tinha Gonzaguinha, Roberto Carlos, Os Mutantes, Milton Nascimento…

Destaques para De Volta ao Começo (tema de Renascer), Ando Meio Desligado (tema de Sonho Meu) e Maria Maria, que só virou trilha de novela anos depois, em 2007 (Caminhos do Coração).

Em 1994, lançaram Vida Vida, com a inesquecível A Viagem, tema da novela de mesmo nome. Ficou meses entre as mais tocadas.

Tinha também Os Corações Não São Iguais (que virou hit com outros artistas), Louca Paixão e Coração Aberto.

Em 1995, lançaram uma coletânea de trilhas de novelas, incluindo Ibiza Dance — tema instrumental de Explode Coração, que até ganhou remix.

Poderia contar ainda mais. Mas seria como tentar resumir o tempo.

Resumo de uma Vida

As canções que me acompanhavam desde a infância receberam novas músicas para a trilha da minha adolescência…

Sim, é verdade, muito mais eu poderia falar sobre discografia, biografias, a sentida perda do Paulinho… muitas coisas, mas, assim como as suas canções, gostaria de deixar algo de bom.

A banda mantém o ritmo com Fábio Nestares, músico experiente e carismático, mantendo aquilo que sempre foi o foco da banda: fazer música de qualidade, boa de ouvir.

Apesar da superficialidade dos streamings, independentemente das constantes mudanças no mercado musical, Roupa Nova sempre está presente. Com músicas de qualidade!

Roupa Nova é isso: trilha da vida de muita gente.

Deu voz às minhas primeiras paixões, me acompanhou nos tempos de escola, virou canção de ninar para minha filha e, hoje, com a minha família, é a trilha sonora dos nossos melhores dias.

Infelizmente, nas mudanças da vida, a minha coleção de vinil ficou no passado, não consegui preservar.

Mas, falar de Roupa Nova é falar de emoção, de vida.

E, pra quem viveu tudo isso — ou está conhecendo agora — é impossível não sentir um aperto no peito e um sorriso no rosto quando toca uma daquelas canções.

Os eternos meninos Paulinho, Serginho Herval, Nando, Kiko, Cleberson Horsth, Ricardo Feghali e Fábio são parte da história.

Roupa Nova é memória viva. É a trilha sonora da minha vida.

Visite: Roupa Nova | Roupa Nova Site Oficial

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A História do Blues: Da Dor à Emoção Profunda

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Apresentação:

Antes de ser um gênero musical, o blues é um grito — um lamento que ecoa da alma ferida, atravessa o tempo e encontra abrigo nas cordas de um violão, no sopro de uma harmônica, na voz rouca que canta sem pressa.

Nascido do sofrimento, moldado nas plantações do sul dos Estados Unidos e forjado na resistência de um povo, o blues não pede licença: ele invade, emociona, transforma.

Neste texto, você vai viajar pelas origens do blues, suas metamorfoses ao longo das décadas e as figuras lendárias que o eternizaram.

Vai entender como esse som, que brotou do chão batido e da dor ancestral, cruzou fronteiras, inspirou revoluções musicais e continua pulsando no coração de artistas modernos.

E, sobretudo, vai sentir — porque o blues, mais do que se explicar, se vive.

Prepare-se para caminhar por essas estradas sonoras que nos levam ao passado, mas falam, com surpreendente clareza, do presente.

As Raízes do Blues: Um Grito de Sofrimento

O blues surgiu nas comunidades afro-americanas do sul dos Estados Unidos, no fim do século XIX e início do XX.

Suas origens estão profundamente ligadas às dores da escravidão e às lutas diárias dos seus descendentes.

Os primeiros músicos, muitos deles trabalhadores rurais, transformaram o sofrimento em canção — narrando perdas, opressão e a persistência em sobreviver.

Mais do que um gênero musical, o blues nasceu como um reflexo visceral da condição humana, transmitido pela emoção crua e pelo som carregado de verdade.

Suas raízes fincaram-se nos cantos de trabalho, nas canções de campo e nos hinos entoados nas plantações.

Esses elementos moldaram sua estrutura melódica e rítmica, trazendo à tona um novo estilo, marcado pela improvisação e pela comunicação direta da dor e da esperança.

Instrumentos como o violão e a harmônica serviram de ponte entre as histórias de vida e o coração do ouvinte — traduzindo a realidade em arte.

O blues não se formou isolado.

Absorveu influências e dialogou com outros gêneros, criando um painel rico e em constante movimento.

A liberdade do jazz, o apelo espiritual do gospel e a energia crua do rhythm and blues coexistiram em seu universo, dando origem a novos caminhos — como o rock and roll.

Assim, o blues continua a ecoar, reinventando-se sem perder seu centro: a expressão sincera das emoções humanas.

Transformações do Blues: Evolução e Inovações

Desde seu nascimento nas margens do delta do Mississippi, o blues tem sido um organismo vivo, em constante reinvenção.

Inicialmente marcado por estruturas simples e intensas, logo começou a dialogar com novos estilos, sem trair sua alma.

Na década de 1940, essa fusão deu origem ao rhythm and blues, catalisando o surgimento do rock and roll.

Nomes como Muddy Waters e Howlin’ Wolf foram fundamentais nesse processo, trazendo o blues do campo para a cidade e para novos públicos.

Suas sonoridades, já elétricas, prepararam o terreno para um renascimento do gênero, mantendo vivo o grito que está na sua essência.

Com o tempo, o blues incorporou instrumentos elétricos, arranjos mais elaborados e uma produção moderna.

Artistas como Gary Clark Jr. e Joe Bonamassa são exemplos de como a tradição pode conviver com a inovação. Eles misturam o blues com elementos de rock e jazz, preservando sua profundidade emocional enquanto abrem novas trilhas.

O blues é, portanto, um gênero dinâmico, que absorve sem se perder, que evolui sem se apagar. Sua transformação é uma celebração de sua resiliência — um testemunho de que dor, quando transformada em arte, atravessa gerações.

Pioneiros do Blues: As Lendas que Moldaram o Gênero

A história do blues não pode ser contada sem mencionar os gigantes que o moldaram.

Robert Johnson, o lendário “rei do blues do Delta”, nasceu em 1911 e deixou um legado imortal com canções como Cross Road Blues e Sweet Home Chicago. Sua habilidade em mesclar melodia e lirismo pungente criou uma base que ecoa até hoje.

B.B. King, por sua vez, elevou o blues a novas alturas. Conhecido como “O Rei do Blues”, deu à guitarra elétrica um novo papel: o de voz da alma. Com faixas marcantes como The Thrill is Gone, levou o blues a plateias ao redor do mundo, tornando-se um símbolo de expressividade e resistência.

Muddy Waters foi quem trouxe o blues do campo para a cidade.

Em Chicago, nos anos 1950, com músicas como Hoochie Coochie Man, ajudou a criar um estilo urbano, poderoso e eletrificado. Seu trabalho não só redefiniu o gênero, como influenciou profundamente o rock e o jazz.

Esses artistas não foram apenas músicos; foram mensageiros de uma época.

Suas canções, além de emocionantes, refletiram as tensões sociais e raciais do século XX. Eles não apenas tocaram instrumentos — tocaram consciências.

Os Melhores Blues da História: Clássicos Incontornáveis

A força do blues também está em suas canções inesquecíveis.

The Thrill is Gone, de B.B. King, é um desses marcos. Sua melodia carregada de melancolia e sua letra profunda sintetizam a alma do blues e inspiram gerações de músicos.

Cross Road Blues, de Robert Johnson, é outro pilar. Composta nos anos 1930, evoca conflitos internos e espirituais, e se tornou símbolo de uma era.

Sua influência perdura, atravessando décadas e gêneros.

Já Hoochie Coochie Man, de Muddy Waters, representa a virada do blues rural para o urbano.

Com sua energia e ousadia, a canção ajudou a definir o estilo de Chicago e pavimentou o caminho para o blues moderno.

Essas obras não apenas marcaram época; elas continuam a dialogar com o presente. São testemunhos vivos de como dor e emoção podem se tornar arte, tocando o que há de mais humano em nós.

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Banda Toto – Seus Sucessos e Dramas

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A banda Toto foi formada em 1977, em Los Angeles, Califórnia
Sabe aquelas frases em uma música que você ouve uma vez e ficam gravadas na memória por um bom motivo?

Em uma dessas muitas viagens, escutei no rádio uma canção que dizia: “Assim que a eternidade for alcançada… terei esquecido você!”

Não sei se a frase se tornou especial por eu estar longe da minha família ou por causa da tristeza recente de ter perdido alguém querido. Só sei que ela permanece entre as mais belas que já ouvi.

A frase (em tradução livre) é da música I’ll Be Over You, da banda Toto.

Se você ainda não conhece o Toto, permita-me compartilhar um pouco da história deles.

A Formação e os Primeiros Anos

A banda Toto foi formada em 1977, em Los Angeles, Califórnia, por um grupo de músicos talentosos que já desfrutavam de carreiras bem-sucedidas como músicos de estúdio.

O núcleo era composto por David Paich (tecladista) e Jeff Porcaro (baterista), amigos desde a época do colégio e parceiros em diversos projetos musicais.

A formação inicial também incluía Steve Lukather (guitarrista), David Hungate (baixista), Steve Porcaro (tecladista) e Bobby Kimball (vocalista).

Esses músicos compartilhavam não apenas um profundo respeito mútuo por suas habilidades, mas também uma paixão por diversos gêneros, do rock ao jazz, passando pelo R&B e o soul.

A ideia de formar uma banda surgiu naturalmente, como uma necessidade de expressar o talento de uma forma que os estúdios não permitiam plenamente.

Desde o início, o Toto buscou um som acessível, mas que também refletisse suas ambições artísticas. Em uma cena dominada pelo rock progressivo e pela disco music, a banda encontrou um espaço próprio ao combinar elementos desses estilos.

Com composições elaboradas, arranjos criativos e um elevado nível técnico, suas primeiras músicas logo chamaram atenção.

Os primeiros shows foram bem recebidos, e a banda conseguiu rapidamente um contrato com a Columbia Records.

Seu álbum de estreia, Toto (1978), trouxe clássicos instantâneos como Hold the Line e I’ll Supply the Love, recebendo elogios da crítica e conquistando um público fiel.

A combinação de baladas marcantes e faixas mais enérgicas revelou a versatilidade do grupo, que já se apresentava como uma força promissora no cenário musical.

Os primeiros anos do Toto foram marcados por intensa criatividade e crescente sucesso, moldando um estilo que evoluiria ao longo das décadas.

A soma do talento individual e da busca por inovação estabeleceu as bases de uma carreira duradoura e significativa.

O Sucesso Avassalador de ‘Toto IV’

Lançado em 1982, o quarto álbum de estúdio do Toto, Toto IV, representou um marco na trajetória da banda.A banda Toto foi formada em 1977, em Los Angeles, Califórnia

Após recepções mistas dos álbuns anteriores, o grupo se dedicou à criação de um trabalho ambicioso e meticuloso.

O processo de gravação foi exaustivo, mas o esforço coletivo resultou em um disco que mesclava, com maestria, rock, pop e elementos da música clássica.

O álbum trouxe algumas das faixas mais icônicas do Toto, como Africa e Rosanna.

Com letras envolventes, harmonias ricas e arranjos precisos, essas canções cativaram público e crítica. Africa, com sua batida hipnótica e melodia inconfundível, rapidamente se tornou um clássico atemporal.

O impacto de Toto IV foi imenso: o álbum vendeu milhões de cópias no mundo todo e recebeu certificações de ouro e platina em diversos países.

Aclamado por sua excelência técnica e criatividade, conquistou seis prêmios Grammy, incluindo Álbum do Ano e Gravação do Ano por Rosanna.

Essas conquistas não apenas celebraram a habilidade dos músicos, mas também elevaram o Toto ao patamar de lenda da música internacional.

O sucesso estrondoso de Toto IV consolidou a banda no estrelato e garantiu seu lugar na história, tanto pela técnica quanto pela capacidade de emocionar e cruzar fronteiras musicais.

Mudanças na Formação e Desafios

Ao longo das décadas, o Toto passou por várias mudanças de formação, enfrentando desafios que, por vezes, ameaçaram a continuidade da banda, mas também abriram caminho para novas possibilidades.

Uma das primeiras mudanças marcantes ocorreu em 1982, com a saída do vocalista Bobby Kimball, cuja voz havia contribuído de forma decisiva para o som característico do grupo.

Apesar disso, a entrada de Joseph Williams em 1986 trouxe uma nova identidade sonora, ajudando a manter a relevância da banda.A banda Toto foi formada originalmente em 1977, em Los Angeles, Califórnia

Além das trocas de integrantes, o grupo enfrentou questões pessoais e profissionais que testaram sua união.

Problemas com drogas e tensões internas dificultaram a produção de álbuns e a realização de turnês.

Steve Lukather, guitarrista e membro fundador, assumiu frequentemente a responsabilidade de manter o grupo coeso.

A perda do baixista Mike Porcaro, em 2015, vítima de esclerose lateral amiotrófica, foi um golpe doloroso, que afetou profundamente a banda.

Apesar de todos esses obstáculos, o Toto conseguiu se reinventar. Cada nova formação trouxe influências diferentes, resultando em variações de estilo ao longo da discografia.

Essa resiliência não apenas garantiu a continuidade do grupo, como também revelou a paixão de seus integrantes pela música e pelos fãs.

Herança Musical e continuação

Desde sua origem nos anos 70, o Toto construiu um legado sólido na música mundial.

Com talento excepcional e uma abordagem eclética, a banda emplacou sucessos como Africa e Hold the Line, destacando-se pela qualidade técnica e pela habilidade de transitar entre gêneros.

Essa fusão de estilos influenciou gerações de músicos, muitos dos quais consideram o Toto uma referência essencial em suas trajetórias.

Mesmo após o auge da fama, a banda manteve-se ativa com novos lançamentos e turnês globais.

Álbuns como Kingdom of Desire e Mindfields, lançados nas décadas de 1990 e 2000, demonstram a capacidade de adaptação e evolução sem perder a essência que os tornou únicos.

As apresentações ao vivo continuam a encantar o público, oferecendo experiências musicais marcadas pela energia e virtuosismo.

Paralelamente ao trabalho com a banda, os integrantes exploraram projetos solo. Steve Lukather, por exemplo, lançou álbuns aclamados que evidenciam sua versatilidade como guitarrista e compositor. David Paich e Joseph Williams também seguiram contribuindo para a música em diversas frentes — como produtores, arranjadores e intérpretes.

Hoje, o Toto segue surpreendendo os fãs com novas músicas e shows. A formação atual, que reúne nomes clássicos e novos talentos, continua a criar e a emocionar.

Rumores sobre futuras formações mantêm vivo o interesse do público, provando que, mesmo diante das mudanças da indústria, o legado do Toto permanece forte, inspirador e profundamente relevante.

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Toto – Wikipédia, a enciclopédia livre

Ouvindo meus velhos discos de vinil

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Quando a música pede silêncio

Nessas manhãs de outono, enquanto as crianças dormem, o tempo parece pedir uma boa música.

Em meio às estações de rádio, CDs e streamings de áudio, algo prende minha atenção: os velhos discos adormecidos em meu estúdio.

Confesso, não sou um daqueles colecionadores que conseguem dedicar a essas mídias o tempo que merecem, mas decido — apenas para sentir novamente a experiência — colocá-los de volta em minha vitrola.

Segurar a mídia delicadamente entre os dedos é quase um ritual.

Observar os sulcos no disco de vinil, as divisões entre as faixas, e perceber, na contracapa, os nomes de artistas, técnicos e músicos que contribuíram para que a obra alcançasse sua forma final, é como visitar uma pequena galeria sonora. (Para manter o tom, não menciono o trabalho que foi limpar a poeira…risos)

Há algo de artesanal, de humano, que sobrevive ali.

À medida que a agulha do toca-discos passeia suavemente entre as faixas, o som que se produz transcende o tempo.

É possível ouvir nuances de agudos e graves em perfeita sintonia — o que talvez aconteça justamente por eu estar, aqui, em silêncio e cuidado, apenas ouvindo. Sem pressa. Sem distrações.

 Quando ouvir era um acontecimento

Não sei ao certo se o que sinto agora é apenas nostalgia ou também saudade de um tempo em que ouvir música era uma experiência completa — um acontecimento.

A música, hoje, parece ocupar outro lugar: tornou-se pano de fundo para as tarefas do dia a dia.

E talvez por isso se tenha perdido parte da variedade e da qualidade das canções.

Alguns artistas, apesar de sua beleza e profundidade, já não figuram entre os mais executados nas atuais plataformas digitais.

Não por falta de talento, mas por falta de visibilidade diante dos algoritmos que decidem o que se ouve — e o que se cala.

 O gosto moldado pelas máquinas

O que talvez nem todos percebam é o quanto os algoritmos — esses curadores invisíveis — influenciam o que ouvimos, quando ouvimos e quantas vezes voltamos a ouvir.

Os algoritmos escolhem o que vamos ouvir...

Imagem de Tom Majric por Pixabay

Eles observam nossos hábitos, anotam o que escutamos no café da manhã, o que deixamos tocando no carro ou no fone de ouvido enquanto caminhamos.

E, pouco a pouco, vão nos moldando sugestões, listas, destaques — como se conhecessem nossos gostos melhor do que nós mesmos.

Mas o gosto, assim conduzido, corre o risco de deixar de ser nosso.

As plataformas coletam milhões de dados por segundo.

Se uma música é tocada muitas vezes em pouco tempo, entra numa engrenagem que a recomenda a cada vez mais usuários — e esse ciclo de reforço costuma favorecer apenas os artistas mais populares.

Os demais, mesmo que tenham produzido algo profundo, delicado ou inovador, acabam soterrados no silêncio digital.

Não por falta de qualidade, mas por falta de números.

O algoritmo não escuta com o coração. Ele não percebe a beleza de uma metáfora bem colocada, nem se emociona com a timidez de um piano no início de uma canção.

Ele apenas lê estatísticas, e distribui as faixas como quem reorganiza prateleiras de um supermercado musical.

Com o tempo, isso molda também o que é produzido. Os artistas passam a criar pensando no que agrada ao sistema, no que se adapta bem às playlists automatizadas.

E assim, o diferente, o ousado, o que pede tempo e escuta atenta, vai ficando para trás.

A quem pertence a música?

O que muitos não sabem é que, por trás dessas plataformas modernas que oferecem milhões de músicas ao alcance de um toque, existe uma engrenagem comercial que também determina quem será recompensado por ser ouvido.

A maior parte do valor pago pelos assinantes — cerca de 70% — vai para gravadoras, editoras e distribuidoras. O restante, em média 30%, fica com a plataforma, que cobre seus custos, investimentos e lucros.

O artista, esse elo sensível da corrente, recebe centavos por stream — e isso, muitas vezes, apenas se for grande o suficiente para aparecer nas estatísticas.

É o modelo chamado pró-rata, em que toda a receita do mês é repartida proporcionalmente conforme o volume total de reproduções.

Ou seja, mesmo que você escute apenas artistas independentes, sua assinatura será dividida com os mais ouvidos do mundo — os gigantes do momento.

Talvez por isso voltar ao vinil, nessas manhãs de outono, seja também reencontrar a liberdade de escolher — sem pressa, sem algoritmo, apenas por sentir.

Talvez seja não uma forma silenciosa de resistência, mas um minuto de reflexão.

Um gesto de reverência a tudo que ainda pulsa, mesmo esquecido.

Um tributo à música que me formou e aos artistas que deixaram ali, no sulco de um disco girando, um pedaço da alma.

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A Evolução da Música Caipira no Brasil

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Um disco de Vinil. A música caipira passou por transformações, para melhor? A resposta, é sua.

Imagem de Essexweb1 por Pixabay

“Nestes versos tão singelos,
minha bela, meu amor
Pra você quero contar
O meu sofrer e a minha dor…”

Os versos iniciais da canção “Tristeza do Jeca” (1918) traduzem claramente o sofrimento de alguém sereno e nostálgico.

Usando uma linguagem doce e poética, o autor nos envolve num sentimento puro de tristeza, de amor e saudade, daquele que vive afastado dos grandes centros.

Uma curiosidade sobre esta música, é que o autor Angelino Oliveira não era um sofredor, morador do campo. Ele era dentista, escrivão de polícia e dono de loja.

As canções conhecidas como caipiras se destacavam em interpretações em duas vozes, perfeitamente afinadas.

De temas que iam desde doces histórias de amor a tragédias, de “causos engraçados” a amores traídos…

Das agruras causadas pelas secas, como na comovente canção Pingo d’água (1944), interpretada por Raul Torres e Florêncio até a desilusão em canções como As andorinhas (1985) , interpretada pelo Trio Parada Dura.

De histórias tristes como em “O Menino da Porteira”( 1955) até a solidão em “O menino da Gaita” versão de Sérgio Reis em 1972, para “El chico de la armônica”, de Fernando Arbex.

A histórias trágicas era cantadas em canções como “Chico Mineiro”(1945) e  Cabocla Tereza, de 1940.

E como não lembrar as canções de amor?

“No quilômetro 45 da Castelo, pra quem vai no sentido interior, quem olhar para a direita, ver um portão amarelo. É ali, é ali que mora o amor…”  – Lindos versos da canção Km 45.

Ou mesmo, como esquecer um amor, se um ” Fio de Cabelo” no paletó faz lembrar a pessoa amada?

Qual o início da música caipira no Brasil?

Cornélio Pires (1884-1958) um pesquisador, escritor, compositor e também humorista decidiu espalhar os costumes da vida caipira em forma de música.

Alguns atribuem a ele a criação da música caipira. O fato, é que ele é o precursor do estilo.

A música caipira teve início no Brasil no final da década de 1920, aproximadamente em 1929.
As letras simples e poéticas contrastavam a vida na zona rural com a vida na cidade.

Quais os músicos mais conhecidos?

Quais os principais representantes deste estilo (o caipira) no Brasil?

As canções caipiras,  tinham como principais expoentes os incríveis Tonico e Tinoco – que encantavam pela afinação perfeita. Outras duplas tais como Tião Carrero e Pardinho, para muitos a melhor de todas, Zico e Zeca, Zé Carreiro e Carreirinho, Belmonte e Amaraí, Chitãozinho e Xororó para  citar apenas algumas tiveram grande importância na história da Música Caipira/Sertaneja.

As transformações…

A música caipira passou por transformações, sendo identificada mais tarde como música sertaneja, neo-sertanejo, sertanejo universitário e agora o Agronejo.

Com o tempo, em especial no início da década de 1980 até fins da década seguinte, o sertanejo passou a se apresentar numa nova roupagem.

Com maior influência do Country dos Estados Unidos, as canções, agora chamadas Sertanejas, se assemelhavam bem às canções POP da época e se diferenciavam por serem executadas por duplas, na maioria, românticas.

A temática de muitas canções era o amor, paixões frustradas, a objetificação da mulher, paixões triviais e músicas para festas de peões de boiadeiro – distanciando da temática original campo.

A ” febre sertaneja” dominou o País e as rádios executavam sem parar duplas originais e clonadas! – A clonagem era assunto na época! (risos)

O Sertanejo Universitário

Mais tarde, o o sertanejo já então transformado nas década de 1980 e 1990, bem mais afastado das canções caipiras de décadas anteriores, aparecia nos décadas seguintes sob a alcunha de “Sertanejo universitário“.

Como dizia um certo locutor: “o sertanejo deixou a roça, foi à universidade…e fez esse tipo de música! ”

Piadinhas à parte, se as canções sertanejas da década anterior já traziam algumas frivolidades, como na canção “Mexe, mexe” e outras feitas na medida para vender discos e animar festas, a Sertaneja universitária trazia características semelhantes, letras que em nada lembravam a simplicidade e a vida no campo e ritmo  influênciado pelo POP nacional e internacional, pelo Rock, a Country Music e pelo Brega.

Seria o Sertanejo da cidade!

Abandonando as prinicpais características

Das antigas poesias a música “evoluiu” para “As mina pira, toma tequila, sobe na mesa, pula na piscina. As mina pira, pira,, entra no clima, tá fácil de pegar, Pra cima” e outras letras desse naipe que ganharam popularidade – graças, a grande investimento em divulgação!

O nome Sertanejo, seria apenas um rótulo, para categorizar as canções executadas por duplas. (Verdade algumas canções eram literalmente EXECUTADAS! risos)

É comum na indústria da música, se um cantor faz sucesso com determinado estilo, a lógica é replicar cantores e canções parecidas. As canções passaram a ser executadas por duplas que na maioria das vezes tinham a mesma voz e o mesmo estilo de cantar!

Com o apoio de empresários do agro negócio, que passaram a mandar naquilo que é POP, as rádios passaram a tocar principalmente “o novo sertanejo”, um tipo de música totalmente sem identidade.

A repetição e os métodos de popularização

O método da repetição e exposição fez com que as pessoas se acostumassem ao novo estilo.

Programas de TV, formadores de opinião, voluntariamente ( se quiser acreditar!) apresentavam as novidades às pessoas na sala de jantar, que ocupadas em nascer e morrer…engoliam e engolem de tudo sem questionar! Que foram moldadas a acreditar que toda novidade é boa!

E os clones, passaram a dominar as rádios e o cenário da música atual. ( Vou parar de assitir a reprise de o Clone!)

Por fim, no início da década de 2020, surgiu uma nova tendência no chamado Mundo Sertanejo: O Agronejo!

Um novo nome para um mesmo estilo

O Agronejo se caracteriza por canções com praticamente as mesmas influências ritmicas que o sertanejo universitário e letras que louvam ao agronegócio e aos grandes produtores.
Claro, que nesses louvores não falarão romanticamente, dos incentivos governamentais que o agro recebe para alimentar o mundo  e que nas tragédias, como a ocorrida recentemente no Rio Grande do Sul, foram os agricultores do Movimento sem terra que ajudaram os desabrigados.
Mas, em breve, as rádios e os meios de propaganda divulgarão ainda mais o novo sertanejo, fãs clubes pagos trarão novos fãs, que popularizarão as novas canções da moda.

Mas, as pessoas na sala de jantar…consumirão – pois é a novidade! Foram condicionadas a isso!

E ainda, nos interiores, belas duplas ainda mantêm viva canções com melodias, poesias e as histórias que lembram as antigas canções de raiz – bem longe dos ouvidos e olhos dos que desprezam uma boa música.

Gilson Cruz

Veja também A música como produto e arte – uma história! › Jeito de ver

A música caipira teve início no Brasil no final da década de 1920, aproximadamente em 1929.
As letras simples e poéticas contrastavam a vida na zona rural com a vida na cidade.

…o o sertanejo já então transformado nas década de 1980 e 1990, bem mais afastado das canções caipiras de décadas anteriores, aparecia nos décadas seguintes sob a alcunha de “Sertanejo universitário“.

A música atual está tão pior assim?

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O importante papel das Estações de rádio na divulgação da música.

Imagem de Elad por Pixabay

Gilson Cruz

Músicas Inesquecíveis

Você lembra das frases seguintes nesses clássicos nacionais ?

“Meu coração, não sei por quê, bate feliz...”  – Carinhoso, Braguinha (Letra) e Pixinguinha (Melodia)

“Eu pensei que todo mundo fosse filho de…”  – Boas Festas, Assis Valente

“Agora eu era o herói e o meu cavalo…”  –  Chico Buarque( letra)  Sivuca (Melodia)

“Veja… e não diga que a canção está perdida. Tenha…”  –  Tente Outra Vez, Raul Seixas/Paulo Coelho/Marcelo Motta

O que elas têm em comum? Todas foram compostas antes da década de 1980.

“Carinhoso” teve sua primeira gravação instrumental em 1928 e a versão cantada foi gravada pela primeira vez em 1937 por Orlando Silva. –  Carinhoso – Pixinguinha

“Boas Festas“, de Assis Valente, retrata a injustiça social do ponto de vista de uma inocente criança e foi composta em 1932. –  Posts | Discografia Brasileira

A melodia de “João e Maria“, criada por Sivuca na década de 1940, ganhou letra de Chico Buarque em 1976, narrando uma história de amor juvenil que não teve final feliz. –  João e Maria (canção) – Wikipédia, a enciclopédia livre (wikipedia.org)

A mensagem otimista de “Tente Outra Vez”, composta por Raul Seixas, Paulo Coelho e Marcelo Motta, surgiu em 1975.

Essas músicas marcaram época, mas hoje vemos um cenário diferente na música popular brasileira.

Atualmente, muitas canções abordam temas superficiais, separações e amores desfeitos com vozes padronizadas ( e às vezes, vozes bem desagradáveis), dificultando a diferenciação entre os artistas.

A falta de inovação, de qualidade e o jabá

Opiniões variadas refletem a preocupação com a qualidade atual da música brasileira. Victor, da dupla Victor e Léo, criticou a pornografia e a sensualidade excessiva nas letras das músicas sertanejas atuais, considerando-as impróprias para crianças.

Estilos como funk, axé e pagode também enfrentam um período desafiador, carecendo de inovação e qualidade. Muitas músicas atuais não refletem uma visão crítica da sociedade, desvalorizando a mulher, incentivando a violência e comercializando atitudes e comportamentos.

Onde estão os novos poetas, escritores, compositores e críticos que movimentavam e motivavam uma geração inteira?

Por décadas, as gravadoras usavam o “jabá” – pagamento para que certas músicas tocassem nas rádios – para promover determinados artistas. Essa prática, deplorável, ainda existe, mas em formas ainda mais obscuras.

Hoje, existe um “jabá 2.0”, onde artistas sertanejos boicotam cantores de outros estilos, como revelou uma ex-empresária da Anitta, expondo o poder do dinheiro do agro na indústria musical. – Ex-empresária de Anitta viraliza ao expor poder do sertanejo e influência do agro na música | Diversão | O Dia (ig.com.br)

Essa influência do agronegócio também se reflete nos empresários de muitos cantores sertanejos universitários, criando uma aliança lucrativa. – Agro, sertanejo e direita: uma aliança antiga e lucrativa (intercept.com.br).

A música de qualidade fica em segundo plano diante dessa manipulação, deixando de ser executada nas principais estações, que perdem sua essência e são substituídas cada vez mais por plataformas de streaming.

Apesar da corrente e da falta de divulgação massiva, boas músicas e excelentes músicos existem e resistem!

Novos e antigos cantores ainda compõem belas músicas, dê uma chance a si mesmo de usufruí-las, estão disponíveis nas mais variadas plataformas.

Leia mais em A música como produto e arte – uma história! ‣ Jeito de ver

 

 

 

Uma breve história de Comunicação

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Bugaiau é conhecido por sua luta e tem seu nome ligado à comunicação.

Bugaiau é conhecido por sua luta e tem seu nome ligado à comunicação.

ENTREVISTA

O senhor Adalberto de Freitas é um senhor de características tímidas, de poucas palavras e riso fácil, uma pessoa de alma inquieta. Bem conhecido por seu apelido “Bugaiau”, tem seu nome intimamente ligado à história da Comunicação no município de Iaçu, pequena cidade no interior da Bahia.

Incentivador da arte, colecionador de histórias, criador da Rádio Rio Paraguaçu e idealizador do museu na cidade em que vive.

O site Jeito de ver teve o prazer de realizar a seguinte entrevista:

Jeito de ver.  – Adalberto de Freitas Guimarães por ele mesmo.

Adalberto de Freitas. – “Sou Iaçuense, iniciei a minha carreira profissional como eletricista, Pai, avô e marido de uma incrível mulher, Rosângela Aragão, artista e amante da arte.

Sempre me interessei pela comunicação, as ideais saíram do papel a partir de 1984, com a criação do Som da Cidade”.

Jeito de Ver. – Poderia nos contar um pouco sobre o início? Por exemplo, quem foram os primeiros locutores? Qual a programação naquele início?

Adalberto de Freitas. – “Em 1984, lá início, o Som da cidade tinha três locutores. Eu, Ronaldo Ramos e meu filho Fábio. A programação tinha início às oito da manhã e se estendia até as onze horas, no primeiro turno.

À tarde, a programação tinha início a partir das 17 indo até as 19 horas.

Consistia  de Músicas variadas, nacionais, regionais – dávamos também espaço para que músicos da terra divulgassem seus trabalhos. Era um prazer!  Às vezes,  também noticiávamos fatos urgentes e extras”.

Jeito de Ver. Como surgiu o som da cidade?

Adalberto de Freitas. “O som da Cidade surgiu por iniciativa própria.  O nome original seria Serviço de Som – Som da Cidade.

Surgiu da necessidade, de uma grande carência de comunicação em nossa cidade. Daí nasceu a ideia de buscar patrocínio para que o serviço de som da cidade permanecesse em funcionamento. Deste modo, o som da cidade continuaria a levar informação ao povo carente.

O povo teria em sua cidade um veículo informativo”.

Jeito de ver. – Por quanto tempo o Som da Cidade esteve em atividade?

Adalberto de Freitas. – “Olha, o Som foi implantado em 20 de Dezembro de 1984 e teve suas atividades encerradas em 31 de Dezembro de 2005”.

Jeito de ver. – Gostaria de destacar o seu incentivo a arte.
No ano de 1991, Eu e quatro amigos ( Dilson, Valdomir, Pedrinho e Juarez) tentávamos gravar uma demo para a Banda Acordes, banda que se perdeu no tempo, como tantas outras. Lembro-me bem do estúdio gentilmente cedido.

Adalberto de Freitas. – “Como sempre atendia a outros grupos e pessoas, não iria me furtar em ajudar aos amigos da Banda Acordes. Ainda lembro”.

Jeito de Ver. – Realmente, era difícil esquecer de como a gente tocava mal, mal pra caramba!

Adalberto de Freitas. – ( Risos )

Jeito de ver. – Com o fim do Som da Cidade, mais uma vez, o senhor se inovou criando agora a rádio Rio Paraguaçu FM.
Como é que foi esse novo projeto?

Adalberto de Freitas. – “Bem, foi criada uma associação denominada Associação Comunitária Ação e Cidadania em 30 de Junho de 1998. Os primeiros locutores neste novo desafio seria o experiente Ronaldo Ramos, meus filhos Fábio e Rafael Guimarães.

A programação consistia em divulgações, entrevistas, ações culturais, religiosas e esportivas.

O patrocínio contava com a participação do comércio e apoio do Poder Público, havendo uma expansão na programação e variação de conteúdo que se entendia das seis da manhã até as 21 horas.

Por exemplo, aos sãbados,  trazíamos uma programação especial, dedicada a uma parte muitas vezes negligenciada pelas rádios tradicionais, os idosos. O programa “Canções da Velha Guarda” que  trazia os grandes cantores da Era do Rádio e era muito elogiado. Aos Domingos ,às seis, um pouco de música italiana e logo depois, a Jovem Guarda – num  programa pra cima.

Procurávamos atender todos os gostos”.

Jeito de Ver. – De fato, costumava escutar com meu Pai o programa dos sábados e, como apaixonado pela Jovem Guarda, a programação das manhãs de domingo.
Por quanto tempo a rádio vem exercendo suas atividades?
Adalberto de Freitas. – “De 14 de Agosto de 2001 até hoje” (Janeiro, 2023 – Mês da entrevista).
Sede da Rádio e Museu Paraguaçu.

A Rádio e Museu Rio Paraguaçu ficam situados no mesmo prédio. Localizados à Praça XV de Novembro 58, 
em Iaçu. Telefone (75)3325-2431.

Jeito de Ver.: Infelizmente, a cultura e arte não são tratados como prioridades em municípios pequenos.
Como se dá a manutenção e patrocínio da Rádio Rio Paraguaçu FM?

Adalberto de Freitas. – “Atualmente, infelizmente, estamos sem patrocínio…”

(Um silêncio!)

Jeito de ver.- Observando nas dependências da Sede da Rádio Rio Paraguaçu, vemos já em andamento o Museu da Cultura em Iaçu. Como surgiu a ideia? Qual o combustível dessa paixão pela arte, pela cultura?

Adalberto de Freitas. – “A ideia surgiu mesmo antes da implantação da rádio.  Apaixonado pela cultura e preservação memória de um povo. Nasceu assim a paixão por também criar um museu aqui em Iaçu”.

Jeito de ver. – É realmente, um belo museu. Já temos uma matéria a respeito.
E aí, temos novos projetos para o futuro?

Adalberto de Freitas. – “Sim, muitos projetos. O principal é o lançamento de um livro, o tema provisório “As histórias de Bugá”.

Neste livro, trago passagens biográficas, trago mais informações a respeito do Som da Cidade e da Rádio Rio Paraguaçu, os desafios, as lutas,  as dificuldades para manter o projeto – muitas vezes nadando contra todas as correntes”.

Jeito de ver. “Dias de luta” define bem a biografia do Sr. Adalberto de Freitas, esse homem que tem seu nome intimamente ligado a comunicação no município.
A ideia de trazer um serviço de informação para a cidade, significaria a inclusão daqueles que moravam nas partes mais distantes.
A divulgação de artistas locais, a transmissão das sessões da Câmara Municipal mostrava o nível político do município, lá naquela época.
Notícias, músicas e acima de tudo, cultura.
O que poderia ser feito aqui em Iaçu para estimular o interesse de pessoas pela história, pela arte – visto que não é comum eventos que valorizem comunicadores, cantores, essa infinidade de artistas locais?
Festivais de arte? Pequenos eventos mensais com artistas locais?

Adalberto de Freitas. – “Tudo que venha ajudar a juventude e a todos no município, será bem vindo“.

Jeito de ver. – Realmente, tudo que possa trazer à juventude mais arte, seja a poesia, seja a música, sejam as danças, atividades esportivas – enfim, nos muitos meios de expressão.

A Rádio e Museu  Rio Paraguaçu FM têm sido exemplos de perseverança de um homem, exemplo de o quanto a cultura luta para se manter .

A Rádio Rio Paraguaçu segue a sua luta sem patrocínios.

Acreditamos numa saída. E você já sabe qual… entrar em contato com a Rádio, pode ser o primeiro passo.

Aguardamos, o lançamento do livro e mais histórias do nosso amigo, Sr. Adalberto de Freitas, o sr. Bugaiau.

O site Jeitodever.com agradece.
Nota:

Adalberto de Freitas Guimarães veio a falecer no dia 18/01/2025, dois anos após esta matéria. Uma grande perda.

O amigo Adalberto de Freitas Guimarães, além de fundador da Rádio Rio Paraguaçu, foi o idealizador do Museu de Iaçu.

Também se destacou como um grande incentivador do nosso site, Jeito de Ver (www.jeitodever.com).

Seu nome estará eternamente associado à história da cultura e da comunicação em Iaçu-BA.

Que sua memória continue a inspirar os habitantes desta cidade que ele tanto amou ao longo de sua vida.

Jeitodever.com

Veja também:Um dia no museu Paraguaçu (Informativo) ‣ Jeito de ver

A música como produto e arte – uma história!

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Um disco na vitrola. Um texto sobre a Música como um produto.

Imagem de Essexweb1 por Pixabay

 

A música como produto e arte – uma história

Você já teve a sensação de constante déjà vu ao ouvir algumas músicas?

Pois é… essa sensação, cada vez mais comum, tem uma explicação simples: a música também é um produto comercial!

E como todo produto, quando algo dá certo, vira fórmula.
Se um estilo estoura, logo aparece um monte de outros na mesma linha.

Mas será que isso tira o valor da música como arte?

Vamos conversar um pouco sobre isso.
Porque por trás das tendências e repetições, há também emoção, memória, identidade e cultura.
Vamos nessa?

A música como produto e arte – uma história

Você já teve a sensação de constante déjà vu ao ouvir algumas músicas?

Bem, essa sensação cada vez mais comum se dá por um motivo: a música é um produto comercial!

Isso significa que, se um estilo fizer sucesso, ele será copiado.

Vamos explorar um pouco este tema.

Explorando a Melodia ao Longo do Tempo

A música, essa forma única de arte, está ao nosso alcance através de diversas plataformas que oferecem uma vasta seleção de artistas e estilos musicais.

Hoje em dia, temos a liberdade de montar playlists personalizadas, algo inimaginável nos tempos em que só tínhamos as rádios como fonte – e isso é fantástico!

Nas décadas de 80 e 90, aguardávamos ansiosamente o locutor de voz bela e marcante anunciar o próximo hit.

Com o gravador pronto, os botões “REC” e “PLAY” acionados, tudo corria bem até que, ao fim da música, o infeliz interrompia informando a hora e o nome da estação, estragando a gravação. Que época incrível!

Cada cantor tinha a sua própria maneira de interpretar canções.

Canções e cantores de diferentes estilos ocupavam a mesma programação – a arte musical em sua forma plena.

A música, como forma de arte, é rica em emoções variadas e oferece inúmeras interpretações ao público.

Ela se adapta a cada indivíduo, proporcionando o significado que procuramos, e reflete a cultura de cada época.

A arte é dinâmica, ajustando-se e evoluindo de forma natural, aprimorando tendências e traços. Esse mesmo processo se manifesta no mundo da música.

Um Passeio no Tempo

Vamos voltar ao início da década de 1960. Lá observamos o declínio do Rock’n Roll:

Elvis Presley estava no exército americano, sem a rebeldia anterior; Little Richard quase abandonou a música; Chuck Berry enfrentava problemas com a justiça; e Jerry Lee Lewis caía em desgraça por seu comportamento volátil e um escândalo matrimonial.

Ícones promissores como Buddy Holly, Richie Valens e Big Bopper morreram em um trágico acidente aéreo. Parecia que o mundo do Rock estava à deriva.

Contudo, na Inglaterra, jovens se encantavam com o Rock’n Roll que adormecia nos EUA.

Nascia o Rock Britânico, com bandas como The Beatles, The Hollies, The Rolling Stones, Gerry and the Pacemakers, The Dave Clark Five, The Swinging Blue Jeans e The Kinks, cada uma trazendo seu estilo distinto.

Foi assim que o Rock’n Roll reconquistou o mundo.

No Brasil, bandas notáveis como Os Incríveis, Renato e seus Blue Caps, The Fevers, Os Carbonos e The Sunshines surgiram, cada uma imprimindo seu legado. A música se transformava em mercadoria, com as gravadoras lançando sucessos formatados até que uma nova onda musical emergisse.

Analisando e Copiando Tendências

O mundo da música é conhecido por suas cópias e imitações – assumindo a forma de produto.

Era comum, em décadas anteriores, gravadoras investirem em cantores de estilos e vozes parecidos.

Alguns grupos se inspiraram nos Beatles; cantores tiveram Elvis como referência – e isso é saudável.

Na década de 1980, a boyband porto-riquenha Menudos se tornou febre nas Américas.

Embarcando na fórmula de sucesso, muitas e muitas boybands no mesmo estilo foram formadas.

No Brasil, nos anos 1990, vimos cantores sertanejos da época seguindo a mesma temática, cortes de cabelo e calças apertadas.

Após a febre sertaneja, surgiram grupos de pagode no rastro do Raça Negra, assim como grupos de lambada, no final da década de 1980, seguiram a onda do Kaoma.

Seguindo a Tendência

Seguir ou não uma tendência pode significar o sucesso ou o insucesso.

Artistas consolidados tendem a insistir nos seus estilos característicos.

Por outro lado, artistas novos experimentam os seus minutos de fama e partem para o esquecimento.

Ao analisar a música como arte e produto, não se pode esquecer algo importante:

O sucesso é copiado como produto, mas cada cópia é um retrato de uma época. São importantes para explicar o contexto histórico, tendo o seu valor – para o bem ou para o mal.

Apreciemos e entendamos como ela reflete nosso contexto histórico e cultural, sempre evoluindo e se adaptando, marcando as páginas da nossa história musical.

 

Gilson Cruz

Veja mais em A música atual está tão pior assim? ‣ Jeito de ver

 

 

 

Rosa Negra – Confira o Videoclipe da canção

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Imagem de Willfried Wende por Pixabay

O vídeo da música Rosa Negra

A poética música Rosa Negra é uma composição de Ranne Ramos .

As paixões intensas, a efemeridade dos acontecimentos, a brevidade da vida e dos sentimentos, num universo de coisas infinitas.

O videoclip traduz em fotografias aquilo que se busca ao longo da vida: A Amizade, O amor, O refúgio da família e a Paz.

Um convite à contemplação.

 

Confira o vídeo no  link :

 

O vídeo musical para a música “Rosa Negra” foi criado com a assistência do CoPilot do Bing, Microsoft.

Viva e experiência.

Música: Rosa Negra

Compositor: Ranne Ramos

Intérprete: Grupo Terra

 

 

Veja também    Que tal compor a sua obra de arte? ‣ Jeito de ver

 

 

 

 

 

Estações de rádio – Influência e cultura

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Imagem de Andrzej Rembowski por Pixabay

O Rádio na Era da Evolução Tecnológica

Durante algum tempo, alguns acreditavam que, com a evolução tecnológica, o rádio se tornaria obsoleto e, com o tempo, deixaria de existir.

Com o advento da televisão e, depois, com as plataformas digitais, o assunto voltou a atrair a atenção. Mas o fato é que o rádio está vivo e respira sem aparelhos (me perdoem o trocadilho infame!).

As emissoras de rádio precisaram se adaptar à nova onda. Ao invés de resistência, era o momento de se abrir às mudanças, abraçar a tecnologia como uma aliada, mas sem perder a sua essência.

Por muitos anos, o rádio foi diretamente responsável pela formação musical de muitos ouvintes. Por exemplo, citaremos a Rádio Baiana de Itaberaba, AM 1030 KHz, fundada em 1977, e sua programação no início da década de 1980.

A Diversidade Musical e a Formação do Gosto Popular

Entre notícias locais, estaduais, nacionais e internacionais, a programação trazia um repertório que ia desde canções populares a clássicos internacionais: de Luiz Gonzaga a Beatles, de Amado Batista aos Rolling Stones. A música, em todos os seus estilos, tinha o seu espaço.

Havia uma preocupação em mesclar novidades ao que já estava estabelecido como sucesso: Trepidants, Pholhas, Roupa Nova (ainda no início), 14 BIS e outras promessas que se firmaram com o tempo. Muitos artistas alcançaram a fama por apenas um único sucesso.

Por mais confusa que parecesse tal programação, ela dava aos ouvintes a oportunidade de se identificar com algo, algum estilo – ou mesmo com todos os estilos. A vastidão da mente permite tais proezas!

Com o tempo, entretanto, as programações da maioria das rádios perderam diversidade e originalidade.

Devido à influência de empresários, as canções executadas passaram a seguir um modismo descartável, onde todas as vozes e canções parecem ser meras continuações.

Como mencionado em um artigo anterior neste site, há sempre a possibilidade de influências externas (jabá) interferirem nas programações. Como disse uma certa empresária do funk:

“Antes algumas rádios cobravam uma certa quantia para divulgar determinado artista (jabá), e com a chegada dos barões do agronegócio, eles mesmos compram as rádios para divulgar o seu produto, isto é, cantores do agro.”
– Veja Ex-empresária de Anitta viraliza ao expor poder do sertanejo e influência do agro na música | Diversão | O Dia (ig.com.br)

O Espaço das Rádios no Cenário Atual

Hoje, quase todos os artistas estão disponíveis em plataformas digitais como Spotify, Deezer, Amazon e outras. No entanto, comprar espaço para divulgação tornou-se uma tarefa injusta, pois significa que quem tem mais dinheiro para investir aparece mais – independentemente da qualidade e do talento.

É justamente neste espaço que percebemos a falta das antigas programações das rádios, que prezavam também a inclusão de novos talentos, de todos os estilos – dando sua contribuição à formação do gosto musical da população.

A rádio deve adaptar-se ao atual, mas sem perder as suas melhores características.

Leia mais:

E por falar em boa música, o site jeitodever.com sugere ao leitor que descubra novas emoções, na linda voz e no excelente repertório do cantor mineiro Tuca Oliveira. – https://amzn.to/4afEXBf

Confira no Spotify.